КОМПОЗИТОРЫ
Мария Аникеева
Мария Аникеева
Лера Ауэрбах
Лера Ауэрбах
Юрий Буцко
Юрий Буцко
Петерис Васкс
Петерис Васкс
АЛЕКСАНДР ВУСТИН
АЛЕКСАНДР ВУСТИН
Иван Вышнеградский
Иван Вышнеградский
Галина Григорьева
Галина Григорьева
СОФИЯ ГУБАЙДУЛИНА
СОФИЯ ГУБАЙДУЛИНА
Констанция Гурзи
Констанция Гурзи
Эдисон Денисов
Эдисон Денисов
Алемдар Караманов
Алемдар Караманов
Александр Локшин
Александр Локшин
Артур Лурье
Артур Лурье
Питер Максвелл Дэвис
Питер Максвелл Дэвис
Тигран Мансурян
Тигран Мансурян
Тристан Мюрай
Тристан Мюрай
Николай Обухов
Николай Обухов
Эдуард Патлаенко
Эдуард Патлаенко
Павел Поляков
Павел Поляков
АРВО ПЯРТ
АРВО ПЯРТ
Ольга Раева
Ольга Раева
Владимир Раннев
Владимир Раннев
Ваграм Саргсян
Ваграм Саргсян
Леонардо Скьяво
Леонардо Скьяво
Дмитрий Смирнов
Дмитрий Смирнов
Борис Тищенко
Борис Тищенко
Нектариос Чаргейшвили
Нектариос Чаргейшвили
С отличием окончила Московскую консерваторию (2019, класс профессора Александра Коблякова), совершенствовалась там же в ассистентуре-стажировке (2021), а также в аспирантуре АХИ имени В. С. Попова (научный руководитель — Валентина Холопова, тема диссертации — «Особенности соноризма в творчестве российских композиторов последней трети XX века»). Преподаватель кафедры композиции Московской консерватории. Куратор фестиваля «Вдохновленные космосом». Лауреат I премии Международного конкурса молодых композиторов имени С. Губайдулиной (2020), лауреат III степени Международного конкурса имени Н. Я. Мясковского (2018), победитель конкурса «Хохлома» (2025), лауреат премии благотворительного фонда «Создаем будущее», обладатель именной стипендии Союза композиторов России.
Мария
Аникеева
Аникеева
р. 1995, БАЛАШИХА
Участница лабораторий «Акустическая читка», "Композиторские читки", "КоOPERAция — Дети", «Открытый космос», «Резиденция ТТ», «Молодежная лаборатория: композиторы», «Авторские курсы композиции и импровизации Владимира Горлинского и Алексея Сысоева». Ее музыку исполняли Государственный симфонический оркестр «Новая Россия», OpensoundOrchestra, оркестр Центра современной музыки имени С. Губайдулиной, Камерный оркестр Московской консерватории, «Студия новой музыки», «Солисты Москвы», русский народный ансамбль «Россия» имени Л. Г. Зыкиной, МАСМ, Reheard и др. Музыка Аникеевой также исполнялась в Бельгии и США. Член Союза композиторов России.
Лера Ауэрбах родилась в Челябинске, начала музыкальное образование в родном городе. В 8 лет она впервые выступила с оркестром, в 12 — написала оперу, премьера которой прошла в детском театре закрытого города Челябинск‑65. В 13 выпустила свой первый сборник поэзии. В 1990 году стала лауреатом международной программы «Новые имена» и первого Всероссийского конкурса молодых композиторов имени П. И. Чайковского. В 17 лет переехала в США, где продолжила обучение в Джульярдской школе, окончила также Ганноверскую Высшую школу музыки и театра.
В 2002 году Лера Ауэрбах дебютировала в Карнеги-холле, исполнив собственную Сюиту для скрипки и фортепиано с оркестром с Гидоном Кремером и оркестром «Кремерата Балтика». Как пианистка выступала в Большом зале Московской консерватории, берлинском Зале Пьера Булеза, нью-йоркском Линкольн-центре и на других известных площадках.
В 2002 году Лера Ауэрбах дебютировала в Карнеги-холле, исполнив собственную Сюиту для скрипки и фортепиано с оркестром с Гидоном Кремером и оркестром «Кремерата Балтика». Как пианистка выступала в Большом зале Московской консерватории, берлинском Зале Пьера Булеза, нью-йоркском Линкольн-центре и на других известных площадках.
Лера
Ауэрбах
Ауэрбах
р. 1973, ЧЕЛЯБИНСК
Лера Ауэрбах — один из самых востребованных современных композиторов. Сотрудничала с Нью-Йоркским филармоническим оркестром, Филадельфийским оркестром, Баварским государственным оркестром и другими известными коллективами. Записи ее произведений выпущены фирмами Deutsche Grammophon, ECM, Sony Classical и ARTE, ее сочинения публикуются крупнейшим мировым издательством Boosey & Hawkes и исполняются на ведущих сценах мира. В сотрудничестве со знаменитым хореографом Джоном Ноймайером Ауэрбах создала несколько балетов, среди которых «Татьяна» и «Русалочка».
В сферу творческих интересов Леры Ауэрбах также входят изобразительное искусство и литература. Ее работы представлены в ведущих галереях и частных коллекциях. Опубликованы три сборника ее стихов на русском языке и англоязычная книга «Excess of Being».
В сферу творческих интересов Леры Ауэрбах также входят изобразительное искусство и литература. Ее работы представлены в ведущих галереях и частных коллекциях. Опубликованы три сборника ее стихов на русском языке и англоязычная книга «Excess of Being».
После войны переехал в Москву, где поступил на исторический факультет Московского пединститута, затем — на хоровое отделение Музыкального училища имени Октябрьской революции и на теоретико-композиторский факультет Московской консерватории (класс композиции Сергея Баласаняна). До 2013 года преподавал в консерватории инструментовку и чтение партитур.
Первые произведения Буцко, получившие известность, появились еще в консерваторские годы, в их числе — моноопера «Записки сумасшедшего» по Гоголю и камерная опера «Белые ночи» по Достоевскому, продолжающие традиции Мусоргского. Ряд сочинений 1960−1970-х связан с так называемой новой фольклорной волной в отечественной музыке: кантаты «Вечерок», «Свадебные песни», оратория «Сказание о Пугачевском бунте». Оба эти направления сохранятся и тогда, когда Буцко сосредоточится на разработке особой ладогармонической и полифонической системы, основанной на закономерностях древнерусских монодических (одноголосных) церковных роспевов.
Первые произведения Буцко, получившие известность, появились еще в консерваторские годы, в их числе — моноопера «Записки сумасшедшего» по Гоголю и камерная опера «Белые ночи» по Достоевскому, продолжающие традиции Мусоргского. Ряд сочинений 1960−1970-х связан с так называемой новой фольклорной волной в отечественной музыке: кантаты «Вечерок», «Свадебные песни», оратория «Сказание о Пугачевском бунте». Оба эти направления сохранятся и тогда, когда Буцко сосредоточится на разработке особой ладогармонической и полифонической системы, основанной на закономерностях древнерусских монодических (одноголосных) церковных роспевов.
Юрий
Буцко
Буцко
1938, Лубны, Полтавская обл. —
2015, Москва
2015, Москва
Самое крупное произведение этого стиля — «Полифонический концерт. Девятнадцать контрапунктов для четырех клавишных инструментов, хора и ударных инструментов на темы русского знаменного роспева». Автор подчеркивал, что «знаменный лад» Полифонического концерта не является универсальной системой подобно додекафонии или сериальной технике: система Буцко неразрывно связана с миром, из которого выросла, и с личностью композитора.
В 1960—1980-е Буцко много работал в театре и кино, в частности, в Театре на Таганке (музыка к спектаклям «Пугачев», «Мать», «Гамлет» и др.), в Театре имени Моссовета («Петербургские сновидения», «Братья Карамазовы» и др.), на «Мосфильме» (телесериал «Хождение по мукам» по роману Алексея Толстого, музыка к реставрации кинофильма «Барышня и хулиган» с участием Маяковского и др.). Среди крупных сочинений поздних лет — Концерт № 4 для скрипки с оркестром (2005), Концертная симфония «Безмолвие осени» (2008), Вторая большая органная тетрадь (2010), Фортепианное трио № 4 «Ангел пустыни» (2010).
В 1960—1980-е Буцко много работал в театре и кино, в частности, в Театре на Таганке (музыка к спектаклям «Пугачев», «Мать», «Гамлет» и др.), в Театре имени Моссовета («Петербургские сновидения», «Братья Карамазовы» и др.), на «Мосфильме» (телесериал «Хождение по мукам» по роману Алексея Толстого, музыка к реставрации кинофильма «Барышня и хулиган» с участием Маяковского и др.). Среди крупных сочинений поздних лет — Концерт № 4 для скрипки с оркестром (2005), Концертная симфония «Безмолвие осени» (2008), Вторая большая органная тетрадь (2010), Фортепианное трио № 4 «Ангел пустыни» (2010).
Наиболее авторитетный и известный в мире композитор Латвии. Его сочинения исполняют крупнейшие солисты, дирижеры и коллективы — Гидон Кремер, Вадим Репин, Дмитрий Ситковецкий, Вадим Глузман, Энтони Марвуд, Максим Рысанов, Давид Герингас, Соль Габетта, Альбрехт Майер, Кирилл Петренко, Клаус Мякеля, Пааво Ярви, Деннис Рассел Дэвис, Сантту-Матиас Роували, Робин Тиччиати, «Кронос-квартет», «Кремерата Балтика», The Hilliard Ensemble, Берлинский филармонический оркестр, оркестр лейпцигского Гевандхауса, «Академия Святого Мартина в полях» и многие другие.
В ряду художественных ориентиров Васкса — как старинная, так и современная музыка. На его творчество оказали влияние Витольд Лютославский, Кшиштоф Пендерецкий, Хенрик Миколай Гурецкий, Гия Канчели, а также Малер и Сибелиус. Несмотря на интерес к польскому авангарду, в творчестве Васкс стремится к более простым средствам выразительности, опираясь на диатонический звукоряд, по возможности избегая резких модуляций и хроматизмов. Не случайно ряд ключевых сочинений Васкса написан для струнного оркестра, выразительные возможности которого хотя и небезграничны, но необыкновенно разнообразны: среди них — «Cantabile» (1979), симфония «Голоса» (1991), «Musica adventus» (1995/1996), «Далекий свет» для скрипки и струнных (1996/1997) и "Musica dolorosa" (1983).
В ряду художественных ориентиров Васкса — как старинная, так и современная музыка. На его творчество оказали влияние Витольд Лютославский, Кшиштоф Пендерецкий, Хенрик Миколай Гурецкий, Гия Канчели, а также Малер и Сибелиус. Несмотря на интерес к польскому авангарду, в творчестве Васкс стремится к более простым средствам выразительности, опираясь на диатонический звукоряд, по возможности избегая резких модуляций и хроматизмов. Не случайно ряд ключевых сочинений Васкса написан для струнного оркестра, выразительные возможности которого хотя и небезграничны, но необыкновенно разнообразны: среди них — «Cantabile» (1979), симфония «Голоса» (1991), «Musica adventus» (1995/1996), «Далекий свет» для скрипки и струнных (1996/1997) и "Musica dolorosa" (1983).
ПЕТЕРИС
ВАСКС
ВАСКС
Р. 1946, АЙЗПУТЕ, ЛАТВИЙСКАЯ ССР
Васкс учился в Рижской музыкальной академии и Литовской музыкальной академии в Вильнюсе, где изучал игру на контрабасе у Витаутаса Серейки до 1970 года. С 1973 по 1978 год изучал композицию у Валентина Уткина в Латвийской музыкальной академии в Риге. В 1963—1974 играл в составе различных симфонических и камерных оркестров, в том числе Литовского филармонического (1966−1969), Камерного оркестра Государственной филармонии Латвийской ССР (1969−1970) и Оркестра Латвийского радио и телевидения (1971−1974).
Известность за пределами Латвии начал приобретать в 1990‑е годы, когда его работу поддержал Гидон Кремер. Васкс трижды удостоен Большой музыкальной премии — высшей латвийской государственной награды в области музыки: в 1993 году за «Litene», в 1998 за скрипичный концерт «Далекий свет» и в 2000 за Вторую симфонию. В 1996 году получил премию Гердера Фонда Альфреда Тёпфера (Гамбург). В 2004 году записи Второй симфонии и «Далекого света» награждены Каннской премией в номинациях «Диск года» и «Лучшее сочинение для оркестра».
Известность за пределами Латвии начал приобретать в 1990‑е годы, когда его работу поддержал Гидон Кремер. Васкс трижды удостоен Большой музыкальной премии — высшей латвийской государственной награды в области музыки: в 1993 году за «Litene», в 1998 за скрипичный концерт «Далекий свет» и в 2000 за Вторую симфонию. В 1996 году получил премию Гердера Фонда Альфреда Тёпфера (Гамбург). В 2004 году записи Второй симфонии и «Далекого света» награждены Каннской премией в номинациях «Диск года» и «Лучшее сочинение для оркестра».
Композиции обучался в Музыкальном училище при Московской консерватории в классе Григория Фрида, затем в Московской консерватории имени П. И. Чайковского в классе Владимира Фере, закончив ее в 1969 году. С 1969 по 1974 год работал музыкальным редактором на Всесоюзном радио, с 1974 года — в издательстве «Композитор». Музыкальный язык Вустина развивает идеи двенадцатитоновости. Сочинения Вустина включаются в программы многих известных фестивалей, среди которых «Дни новой музыки в Цюрихе» и Ноlland Festival, Рrеsеnces‑93 в Париже и фестиваль в Донауэшингене (Германия), фестиваль камерной музыки в Локенхаусе (Австрия), «Московский форум» и "Московская осень". Среди исполнителей его музыки такие известные солисты, как Гидон Кремер, Табеа Циммерман, Иван Соколов, дирижеры Рейнберт де Леу, Лев Маркиз, Эри Клас, Александр Лазарев, Мартин Браббинс, Владимир Юровский;
АЛЕКСАНДР
ВУСТИН
ВУСТИН
1943 —
2020, МОСКВА
2020, МОСКВА
камерные коллективы и оркестры — Ансамбль солистов Большого театра, ансамбль ударных Марка Пекарского, Студия новой музыки, Госоркестр России имени Е. Ф. Светланова (где с 2016 года Вустин был композиторомрезидентом), Шёнберг-ансамбль, Филармонический оркестр, Радио Нидерландов, «Новая Амстердамская симфониетта», Симфонический оркестр Би-би-си и многие другие.
Среди сочинений — «Слово для духовых и ударных» (1975), «Блаженны нищие духом» (1988), опера «Влюбленный дьявол» (1989, поставлена в 2019 в МАМТе), «Письмо Зайцева» (1990), «Героическая колыбельная» (1991), Agnus Dei (1993), кантата «Ветер» на слова из поэмы «Двенадцать» Блока (2012), «Песня Лукерьи" (2015), «Три стихотворения Ольги Седаковой» (2017).
Среди сочинений — «Слово для духовых и ударных» (1975), «Блаженны нищие духом» (1988), опера «Влюбленный дьявол» (1989, поставлена в 2019 в МАМТе), «Письмо Зайцева» (1990), «Героическая колыбельная» (1991), Agnus Dei (1993), кантата «Ветер» на слова из поэмы «Двенадцать» Блока (2012), «Песня Лукерьи" (2015), «Три стихотворения Ольги Седаковой» (2017).
Русский и французский композитор, один из изобретателей четвертитонового фортепиано. На основе философской, эстетической и математической концепции разработал законы микрохроматики. Первый и один из немногих композиторов, чье творчество практически полностью основано на микрохроматической системе, автор «цветной» («световой») ультрахроматической нотации. Среди коллег и почитателей творчества Вышнеградского были Николай Обухов, Оливье Мессиан, Хулиан Каррильо, Клод Баллиф, Пьер Булез.
Вышнеградский происходил из высокообразованной семьи. Его отец и дед были крупными финансистами, а мать — поэтом и переводчиком. Он получил разностороннее образование, обучаясь параллельно на философском факультете Санкт-Петербургского университета и у профессора консерватории, ученика Римского-Корсакова — Николая Соколова. В 1917 году под впечатлением революционных событий Вышнеградский создал сюиту «Красное Евангелие» для баритона и фортепиано на слова Василия Князева. Тогда же, в 1916—1918 годах, написал сочинение, которое считал своим шедевром, — «День Бытия» для симфонического оркестра, чтеца и хора ad lib. Впервые оно было исполнено только спустя 60 лет в Париже — 21 января 1978 года в присутствии композитора, за год до его смерти. Российскую премьеру «Дня Бытия» осуществил Персимфанс (Первый симфонический ансамбль) в 2023 году.
В 1920 году Вышнеградский покинул Россию, как он всегда подчеркивал, с целью создания нового инструмента — четвертитонового фортепиано. Жил и работал в Париже, где в 1923‑м женился на дочери известного художника, одного из лидеров объединения «Мир искусства» Александра Бенуа, Елене.
Вышнеградский происходил из высокообразованной семьи. Его отец и дед были крупными финансистами, а мать — поэтом и переводчиком. Он получил разностороннее образование, обучаясь параллельно на философском факультете Санкт-Петербургского университета и у профессора консерватории, ученика Римского-Корсакова — Николая Соколова. В 1917 году под впечатлением революционных событий Вышнеградский создал сюиту «Красное Евангелие» для баритона и фортепиано на слова Василия Князева. Тогда же, в 1916—1918 годах, написал сочинение, которое считал своим шедевром, — «День Бытия» для симфонического оркестра, чтеца и хора ad lib. Впервые оно было исполнено только спустя 60 лет в Париже — 21 января 1978 года в присутствии композитора, за год до его смерти. Российскую премьеру «Дня Бытия» осуществил Персимфанс (Первый симфонический ансамбль) в 2023 году.
В 1920 году Вышнеградский покинул Россию, как он всегда подчеркивал, с целью создания нового инструмента — четвертитонового фортепиано. Жил и работал в Париже, где в 1923‑м женился на дочери известного художника, одного из лидеров объединения «Мир искусства» Александра Бенуа, Елене.
Иван Вышнеградский
1893, Чистополь, Казанская губ. —
1979, Париж
1979, Париж
Их единственный сын Дмитрий впоследствии стал одним из основателей Общества Ивана Вышнеградского в Париже. Многолетние исследования привели композитора к судьбоносной встрече с еще одним протагонистом четвертитоновой музыки Алоизом Хабой: в результате около 1929 года в Чехии на фирме August Förster инструмент был сконструирован.
Кроме сочинений для четвертитонового фортепиано, Вышнеградский создал струнные квартеты, романсы, оркестровые и хоровые сочинения. Однако ввиду отсутствия пианистов, способных освоить технику игры на новом инструменте, Вышнеградский приходит к идее создания произведений для двух и более фортепиано, настроенных с разницей в четверть тона. Это позволило ему осуществлять премьеры своих новых сочинений, а также организовать в феврале 1937 года в парижском Зале Плейель первый фестиваль четвертитоновой музыки. Именно здесь под управлением автора была впервые исполнена его Симфония «Так говорил Заратустра» для четырех фортепиано, настроенных с разницей в четверть тона.
В годы Второй мировой войны композитор приостановил свою деятельность. В 1942 году ввиду наличия у него только российского гражданства был арестован оккупационными властями. После освобождения, уже в ноябре 1945 года, вновь организовал концерт четвертитоновой музыки в Зале Плейель.
В числе исполнителей были его ученики Иветт Гримо, Ивонн Лорио (супруга Мессиана), композиторы Пьер Булез и Серж Нигг. В 1950‑е работал над сочинениями для оркестра и волн Мартено, создал фундаментальный труд «Законы пансонористики». В 1972 году вышел номер журнала La Revue Musicale, полностью посвященный Вышнеградскому и Обухову.
Кроме сочинений для четвертитонового фортепиано, Вышнеградский создал струнные квартеты, романсы, оркестровые и хоровые сочинения. Однако ввиду отсутствия пианистов, способных освоить технику игры на новом инструменте, Вышнеградский приходит к идее создания произведений для двух и более фортепиано, настроенных с разницей в четверть тона. Это позволило ему осуществлять премьеры своих новых сочинений, а также организовать в феврале 1937 года в парижском Зале Плейель первый фестиваль четвертитоновой музыки. Именно здесь под управлением автора была впервые исполнена его Симфония «Так говорил Заратустра» для четырех фортепиано, настроенных с разницей в четверть тона.
В годы Второй мировой войны композитор приостановил свою деятельность. В 1942 году ввиду наличия у него только российского гражданства был арестован оккупационными властями. После освобождения, уже в ноябре 1945 года, вновь организовал концерт четвертитоновой музыки в Зале Плейель.
В числе исполнителей были его ученики Иветт Гримо, Ивонн Лорио (супруга Мессиана), композиторы Пьер Булез и Серж Нигг. В 1950‑е работал над сочинениями для оркестра и волн Мартено, создал фундаментальный труд «Законы пансонористики». В 1972 году вышел номер журнала La Revue Musicale, полностью посвященный Вышнеградскому и Обухову.
Обучалась композиции в Одесской консерватории (класс Александра Красотова), Ленинградской консерватории (класс Юрия Фалика) и Эстонской академии музыки (класс Лепо Сумеры). Живет и работает в Эстонии. Ее музыка звучит в России, Украине, Польше, Германии, Франции, США и других странах. Среди исполнителей — ансамбль старинной музыки Hortus Musicus, Эстонский филармонический камерный хор, камерный оркестр «Кремерата Балтика», шведский ансамбль ударных инструментов Kroumata, квартет саксофонистов Raschèr и др. В сезоне 2006/07 была композитором-резидентом эстонского ансамбля NYYD. Ее произведения публикуются в издательстве Theatre of Voices.
Галина
Григорьева
Григорьева
р. 1962, СИМФЕРОПОЛЬ
Музыкальная риторика Григорьевой имеет немало общего с эстетикой Арво Пярта. В ее сочинениях много тончайших штрихов и проработанных деталей; внимание уделяется каждому интервалу и интонации.
Современность в ее творчестве сосуществует с наследием славянской и европейской духовной музыки — так композитор восстанавливает единство древа, из которого выросли разные певческие традиции.
Григорьева — автор хоровых, камерных и оркестровых произведений. Среди ключевых сочинений — «Nox vitae», «In Paradisum», «Lament», «Nature Morte Song on the Occasion of Czarina Yevdokia’s Departure».
Современность в ее творчестве сосуществует с наследием славянской и европейской духовной музыки — так композитор восстанавливает единство древа, из которого выросли разные певческие традиции.
Григорьева — автор хоровых, камерных и оркестровых произведений. Среди ключевых сочинений — «Nox vitae», «In Paradisum», «Lament», «Nature Morte Song on the Occasion of Czarina Yevdokia’s Departure».
В 1954 году окончила Казанскую консерваторию по классу фортепиано. В 1954–1959 училась в Московской консерватории у Николая Пейко (композиция); совершенствовалась в аспирантуре у Виссариона Шебалина (1960–1963). В музыкальной жизни СССР 1960–1980‑х занимала независимую позицию. В отличие от двух других представителей «московской тройки», Денисова и Шнитке, не преподавала в консерватории и сравнительно мало писала для кино. До начала 1980‑х ее музыка редко звучала в СССР и была почти неизвестна за границей. Мировое признание принес Губайдулиной скрипичный концерт «Offertorium», впервые исполненный Гидоном Кремером в 1981 году в Вене. Ее известность укрепилась после 1985 года, когда она начала выезжать за границу и получать заказы из разных стран. С 1992 года жила в Германии.
В 1960‑х Губайдулина писала в серийной технике (кантата «Ночь в Мемфисе», 1968), обращалась к разнообразным новым методам организации звукового материала.
В 1960‑х Губайдулина писала в серийной технике (кантата «Ночь в Мемфисе», 1968), обращалась к разнообразным новым методам организации звукового материала.
СОФИЯ
ГУБАЙДУЛИНА
ГУБАЙДУЛИНА
1931, ЧИСТОПОЛЬ, ТАТАРСКАЯ АССР —
2025, АППЕН-УНТЕРГЛИНД, ГЕРМАНИЯ
2025, АППЕН-УНТЕРГЛИНД, ГЕРМАНИЯ
В основе большинства отражено в заглавиях «Шум и тишина», «Светлое и темное», «Сад радости и печали», «Слышу… умолкло…», «Pro et contra», «Чет и нечет», «Две тропы» и др.).
Фундаментальное значение для Губайдулиной имело противопоставление «земного» (развивающегося, материального) и "небесного" (статичного, идеального) начал. Центральный символ, вокруг которого строится художественный мир Губайдулиной, — распятие, сочетающее вертикаль вечного Божественного смысла и горизонталь реального времени. Образом Креста были вдохновлены некоторые из ее лучших опусов, в том числе «In croce» для виолончели и органа, «Offertorium», «Семь слов» для виолончели, баяна и струнных. В поисках новых средств и форм для передачи религиозно-мистических идей Губайдулина экспериментирует с нетрадиционными приемами игры, необычными сочетаниями инструментов, математическими структурами (числами Фибоначчи и др.), которые наделяет глубоким символическим смыслом.
Фундаментальное значение для Губайдулиной имело противопоставление «земного» (развивающегося, материального) и "небесного" (статичного, идеального) начал. Центральный символ, вокруг которого строится художественный мир Губайдулиной, — распятие, сочетающее вертикаль вечного Божественного смысла и горизонталь реального времени. Образом Креста были вдохновлены некоторые из ее лучших опусов, в том числе «In croce» для виолончели и органа, «Offertorium», «Семь слов» для виолончели, баяна и струнных. В поисках новых средств и форм для передачи религиозно-мистических идей Губайдулина экспериментирует с нетрадиционными приемами игры, необычными сочетаниями инструментов, математическими структурами (числами Фибоначчи и др.), которые наделяет глубоким символическим смыслом.
Рассматривает композицию и дирижирование как неразрывно связанные между собой виды деятельности. В сфере ее интересов — оркестровая и камерная музыка, пьесы для инструментов соло, сочинения для музыкального театра, создание саундтреков к фильмам и кросс-жанровые форматы.
Изучала фортепиано, композицию и дирижирование в Афинах и в Берлинском университете искусств (ныне UdK). На ее творческое развитие оказали влияние Дьёрдь Куртаг, с которым она тесно сотрудничала с 1991 по 1996 год, а также Юн Исан, Ханс Вернер Хенце, София Губайдулина, Клаудио Аббадо, Карлос Клайбер и Гюнтер Ванд.
С 1991 года она руководила рядом ансамблей новой музыки, включая attacca berlin, Echo Ensemble, ensemble oktopus и сообщество opus21musikplus. С 1999 по 2007 год возглавляла факультет новой музыки в Берлинской музыкальной академии имени Ханса Айслера.
Изучала фортепиано, композицию и дирижирование в Афинах и в Берлинском университете искусств (ныне UdK). На ее творческое развитие оказали влияние Дьёрдь Куртаг, с которым она тесно сотрудничала с 1991 по 1996 год, а также Юн Исан, Ханс Вернер Хенце, София Губайдулина, Клаудио Аббадо, Карлос Клайбер и Гюнтер Ванд.
С 1991 года она руководила рядом ансамблей новой музыки, включая attacca berlin, Echo Ensemble, ensemble oktopus и сообщество opus21musikplus. С 1999 по 2007 год возглавляла факультет новой музыки в Берлинской музыкальной академии имени Ханса Айслера.
Констанция
Гурзи
Гурзи
р. 1962, АФИНЫ
С 2002-го является профессором Мюнхенского университета музыки и исполнительских искусств. В сезоне 2025/26 — композитор-резидент Бременского филармонического оркестра.
Ее сочинения создавались по заказу Баварской и Берлинской государственных опер, Венецианской биеннале, фестивалей в Люцерне и Графенегге, Бамбергского симфонического оркестра, Зальцбургского Баховского хора и других культурных институций. Среди исполнителей ее произведений — Франсуа Лелё, Джулиан Прегардьен, Анастасия Кобекина, Нильс Мёнкемейер, Доротея Оберлингер, ансамбли Klangforum Wien, Minguet Quartet, Auner Quartet, Cuarteto Quiroga, OPERcussion, Feininger Trio, Meitar Ensemble. Ее дискография насчитывает более 30 альбомов, выпущенных ECM, Sony Classical, Genuin and Neos и другими лейблами. В 2023-м Гурзи была удостоена премии Opus Klassik как композитор года.
Ее сочинения создавались по заказу Баварской и Берлинской государственных опер, Венецианской биеннале, фестивалей в Люцерне и Графенегге, Бамбергского симфонического оркестра, Зальцбургского Баховского хора и других культурных институций. Среди исполнителей ее произведений — Франсуа Лелё, Джулиан Прегардьен, Анастасия Кобекина, Нильс Мёнкемейер, Доротея Оберлингер, ансамбли Klangforum Wien, Minguet Quartet, Auner Quartet, Cuarteto Quiroga, OPERcussion, Feininger Trio, Meitar Ensemble. Ее дискография насчитывает более 30 альбомов, выпущенных ECM, Sony Classical, Genuin and Neos и другими лейблами. В 2023-м Гурзи была удостоена премии Opus Klassik как композитор года.
В 1951 году окончил физико-математический факультет Томского университета. Обучался игре на фортепиано и занимался композицией в Томском музыкальном училище. В 1950-е с произведениями Денисова познакомился Шостакович, распознавший в нем большой талант. В 1951—1956 Денисов учился у Виссариона Шебалина в Московской консерватории; с 1959 преподавал там же инструментовку, тогда же заявил о себе как один из лидеров советского авангарда (класс композиции появился у Денисова только в конце 1980-х).
На рубеже 1970−1980-х выступил активным пропагандистом творчества русских композиторов-модернистов 1920-х, принужденных к творческому молчанию в сталинское время. В 1989 году возглавил воссозданную Ассоциацию современной музыки, участвовал в организации Московского ансамбля современной музыки. Написал ряд теоретических работ, преимущественно по музыке XX века. Своим первым зрелым опусом считал камерную кантату «Солнце инков» на слова Габриэлы Мистраль (1964).
На рубеже 1970−1980-х выступил активным пропагандистом творчества русских композиторов-модернистов 1920-х, принужденных к творческому молчанию в сталинское время. В 1989 году возглавил воссозданную Ассоциацию современной музыки, участвовал в организации Московского ансамбля современной музыки. Написал ряд теоретических работ, преимущественно по музыке XX века. Своим первым зрелым опусом считал камерную кантату «Солнце инков» на слова Габриэлы Мистраль (1964).
ЭДИСОН
ДЕНИСОВ
ДЕНИСОВ
1929, ТОМСК —
1996, ПАРИЖ
1996, ПАРИЖ
В ней оригинально претворены элементы серийной техники, алеаторики, сонористики; в 1965 году кантата исполнялась в Дармштадте и Париже, о ней похвально отзывался 84-летний Игорь Стравинский. К «Солнцу инков» примыкают вокальные циклы «Плачи» и «Итальянские песни». Центральные сочинения 1970-х связаны в основном с оркестровым письмом — это «Живопись» для большого оркестра, вдохновленная картинами Бориса Биргера, концерты для виолончели, фортепиано, флейты, скрипки, гобоя. Большинство концертов сочинялось специально для выдающихся музыкантов. В творчестве Денисова 1980−1990-х значительное место заняли жанры ораториальной и театральной музыки. Важнейшие произведения этого периода — Реквием для солистов, хора и оркестра на латинские и французские литургические тексты и стихи Ф. Танцера, опера «Пена дней», балет «Исповедь», оратория «История жизни и смерти Господа нашего Иисуса Христа», Камерная симфония № 2. Мастер и знаток оркестра, Денисов инструментовал ряд произведений композиторов-классиков, в том числе Шуберта, Мусоргского, Мосолова; завершил и оркестровал оперу Дебюсси «Родриго и Химена» и ораторию Шуберта «Лазарь».
Окончил Симферопольское музыкальное училище, затем Московскую консерваторию (класс композиции С. Богатырева, класс фортепиано В. Натансона) и аспирантуру (классы Дмитрия Кабалевского и Тихона Хренникова). С самого начала симфонический жанр в его творчестве определился как ведущий. За десять лет учебы в консерватории (1953−1963) он успел написать свои первые десять симфоний.
В начале 1960‑х годов Караманов модернизирует свой стиль и становится наряду с Волконским, Каретниковым, Шнитке, Денисовым и Губайдулиной одним из первых советских авангардных композиторов. Авангардный период в творчестве Караманова был коротким — с 1962 по июль 1964 года;
В начале 1960‑х годов Караманов модернизирует свой стиль и становится наряду с Волконским, Каретниковым, Шнитке, Денисовым и Губайдулиной одним из первых советских авангардных композиторов. Авангардный период в творчестве Караманова был коротким — с 1962 по июль 1964 года;
АЛЕМДАР
КАРАМАНОВ
КАРАМАНОВ
1934 —
2007, СИМФЕРОПОЛЬ
2007, СИМФЕРОПОЛЬ
в это время им созданы многие сочинения, включая Симфонии №№ 9 и 10, фортепианную музыку («Пролог, мысль и эпилог», Музыка для фортепиано №№ 1 и 2, Концертные фуги, Этюды для фортепиано), а также камерную («Музыку для скрипки и фортепиано», «Музыку для виолончели и фортепиано» и др.).
После окончания аспирантуры, не имея работы и места жительства в Москве, Караманов решил вернуться домой в Симферополь. С этого времени его музыкальное творчество целиком посвящено религиозной тематике. Он вырабатывает новый неоромантический тональный стиль. Почти полностью отказавшись от жанров фортепианной и камерной музыки, композитор погрузился в работу над симфоническими и вокально-симфоническими произведениями. Автор гимна Республики Крым (1992). С 1991 года музыка Караманова часто звучит на фестивалях в России и за рубежом.
После окончания аспирантуры, не имея работы и места жительства в Москве, Караманов решил вернуться домой в Симферополь. С этого времени его музыкальное творчество целиком посвящено религиозной тематике. Он вырабатывает новый неоромантический тональный стиль. Почти полностью отказавшись от жанров фортепианной и камерной музыки, композитор погрузился в работу над симфоническими и вокально-симфоническими произведениями. Автор гимна Республики Крым (1992). С 1991 года музыка Караманова часто звучит на фестивалях в России и за рубежом.
Родился в городе Бийск Алтайского края. В 1930 году переехал с семьей в Новосибирск, в 1936-м поступил в Московскую консерваторию (класс Николая Мясковского). В этот период его кумирами были Скрябин и Дебюсси, позднее он испытал влияние музыки Шостаковича. Дипломная работа Локшина «Цветы зла» (1939) на текст Шарля Бодлера была запрещена к исполнению, а ее автор лишился диплома.
В 1941 году Локшин уехал в Новосибирск, где работал руководителем музыкальной самодеятельности. Через два года оркестр Ленинградской филармонии под управлением Евгения Мравинского впервые исполнил его симфоническую поэму «Жди меня». Впоследствии ее высоко оценил Иван Соллертинский, а сам Локшин представил это сочинение в качестве выпускной работы и получил диплом с отличием.
В 1945—1948 годах он преподавал в Московской консерватории инструментовку, чтение партитур и музыкальную литературу.
В 1941 году Локшин уехал в Новосибирск, где работал руководителем музыкальной самодеятельности. Через два года оркестр Ленинградской филармонии под управлением Евгения Мравинского впервые исполнил его симфоническую поэму «Жди меня». Впоследствии ее высоко оценил Иван Соллертинский, а сам Локшин представил это сочинение в качестве выпускной работы и получил диплом с отличием.
В 1945—1948 годах он преподавал в Московской консерватории инструментовку, чтение партитур и музыкальную литературу.
Александр Локшин
1920, Бийск —
1987, Москва
1987, Москва
Среди его учеников — музыковед Инна Барсова. Был уволен в ходе кампании «по борьбе с космополитизмом» за пропаганду современной музыки среди студентов. После этого устроиться на постоянную работу Локшин не мог. Его поддерживали пианистка Мария Юдина и дирижер Рудольф Баршай.
Локшин — крупный симфонист второй половины XX века, продолжатель традиций Малера, Шостаковича, Берга. Находясь в стороне от борьбы между радикально-авангардным и традиционно-почвенным направлениями, композитор сумел создать свой индивидуальный стиль, в котором современный музыкальный язык сочетается с опорой на традиции высокого искусства прошлого. В центре его творчества — 11 симфоний (из них 10 вокальные) и примыкающие к ним «Сцены из "Фауста»". Среди исполнителей музыки Локшина — лучшие отечественные музыканты от Геннадия Рождественского, Юлиана Ситковецкого и Марии Гринберг до Алексея Уткина, Сергея Полтавского и Бориса Андрианова.
Локшин — крупный симфонист второй половины XX века, продолжатель традиций Малера, Шостаковича, Берга. Находясь в стороне от борьбы между радикально-авангардным и традиционно-почвенным направлениями, композитор сумел создать свой индивидуальный стиль, в котором современный музыкальный язык сочетается с опорой на традиции высокого искусства прошлого. В центре его творчества — 11 симфоний (из них 10 вокальные) и примыкающие к ним «Сцены из "Фауста»". Среди исполнителей музыки Локшина — лучшие отечественные музыканты от Геннадия Рождественского, Юлиана Ситковецкого и Марии Гринберг до Алексея Уткина, Сергея Полтавского и Бориса Андрианова.
Имя Артура Лурье — русского композитора и музыкального писателя — после его ухода из жизни почти забытое, на протяжении последних десятилетий привлекает к себе все больше внимания. Упоминания о Лурье встречаются в публикациях, посвященных Анне Ахматовой, Велимиру Хлебникову, Михаилу Кузмину, Александру Блоку, Владимиру Маяковскому, Бенедикту Лившицу, Игорю Стравинскому, Сергею Прокофьеву, Сергею Кусевицкому, Жаку Маритену, Эдгару Варезу. Напоминанием о Лурье служат и его многочисленные портреты, написанные Юрием Анненковым, Львом Бруни, Петром Митуричем, Савелием Сориным, Николаем Тырсой, Георгием Якуловым.
Знаковая фигура Петербурга Серебряного века, Лурье не был лишь спутником, «тенью» великих. Утонченное ощущение музыкальной материи, парадоксальность и свобода, интерес к европейской культуре нескольких тысячелетий (от Древней Греции и Рима до импрессионизма, авангарда и джаза) придают его творчеству удивительное разнообразие. Он одним из первых экспериментировал с микрохроматизмом, неоклассицизмом, атональностью, в характерных для его музыки вариантных повторах предвосхищался минимализм, и все это — в хронологической «вертикали», одновременно.
Знаковая фигура Петербурга Серебряного века, Лурье не был лишь спутником, «тенью» великих. Утонченное ощущение музыкальной материи, парадоксальность и свобода, интерес к европейской культуре нескольких тысячелетий (от Древней Греции и Рима до импрессионизма, авангарда и джаза) придают его творчеству удивительное разнообразие. Он одним из первых экспериментировал с микрохроматизмом, неоклассицизмом, атональностью, в характерных для его музыки вариантных повторах предвосхищался минимализм, и все это — в хронологической «вертикали», одновременно.
Артур
Лурье
Лурье
1892, Пропойск, Могилевская губ. —
1966, Принстон, Нью-Джерси
1966, Принстон, Нью-Джерси
То, что современникам композитора казалось дилетантизмом и эклектикой, столетие спустя вызывает особенный интерес.
Музыкальное наследие Лурье обширно: две симфонии (1930, 1939), оперы «Пир во время чумы» (1931) и «Арап Петра Великого» (1961), Sonate Liturgique (1928) для фортепиано, хора и ансамбля, Concerto spirituale (1929) для фортепиано, хора и оркестра, Concerto da camera (1947) для скрипки и струнного оркестра, хоровые сочинения от кантаты на слова Блока «В кумирню золотого сна» (1919) до мотетов «De Ordinatio Angelorum» (1942) и «Anathema» (1951) на литургические латинские тексты, струнные квартеты, камерные вокальные сочинения и другие.
Некоторые из них имели мировой успех: Первую («Диалектическую») симфонию исполняли оркестры под управлением Леопольда Стоковского, Вильгельма Фуртвенглера, Сергея Кусевицкого, Шарля Мюнша. Судьба наследия Артура Лурье ему самому казалась трагической: «моя „слава“ лежит в канаве», — писал он Анне Ахматовой в 1960‑м. Причиной тому был прежде всего ход истории: политика, войны, заставившие композитора эмигрировать, — сначала во Францию, а затем в США. Бóльшая часть его наследия до сих пор не опубликована, а мир находится лишь на пороге его открытия.
Музыкальное наследие Лурье обширно: две симфонии (1930, 1939), оперы «Пир во время чумы» (1931) и «Арап Петра Великого» (1961), Sonate Liturgique (1928) для фортепиано, хора и ансамбля, Concerto spirituale (1929) для фортепиано, хора и оркестра, Concerto da camera (1947) для скрипки и струнного оркестра, хоровые сочинения от кантаты на слова Блока «В кумирню золотого сна» (1919) до мотетов «De Ordinatio Angelorum» (1942) и «Anathema» (1951) на литургические латинские тексты, струнные квартеты, камерные вокальные сочинения и другие.
Некоторые из них имели мировой успех: Первую («Диалектическую») симфонию исполняли оркестры под управлением Леопольда Стоковского, Вильгельма Фуртвенглера, Сергея Кусевицкого, Шарля Мюнша. Судьба наследия Артура Лурье ему самому казалась трагической: «моя „слава“ лежит в канаве», — писал он Анне Ахматовой в 1960‑м. Причиной тому был прежде всего ход истории: политика, войны, заставившие композитора эмигрировать, — сначала во Францию, а затем в США. Бóльшая часть его наследия до сих пор не опубликована, а мир находится лишь на пороге его открытия.
Британский композитор, дирижер, педагог, общественный деятель, творческое наследие которого охватывает большинство жанров: симфонии, опера, инструментальные концерты, хоровая музыка, музыка для театра и кино, балет — всего более 500 опусов. Дэвис был заметной фигурой в британской культурной жизни, в то же время оставаясь затворником.
Его творческое формирование началось в Манчестерском колледже музыки, где он с друзьями-единомышленниками организовал «Манчестерскую группу» (в нее также входили композиторы Александр Гёр, Харрисон Бёртуистл, пианист Джон Огдон, трубач Элгар Ховарт). Участников объединяла страсть ко всему, что не входило в учебную программу: средневековой, ренессансной, индийской музыке, а также модернизму от Шёнберга, Веберна и Стравинского до Ноно и Штокхаузена.
Его творческое формирование началось в Манчестерском колледже музыки, где он с друзьями-единомышленниками организовал «Манчестерскую группу» (в нее также входили композиторы Александр Гёр, Харрисон Бёртуистл, пианист Джон Огдон, трубач Элгар Ховарт). Участников объединяла страсть ко всему, что не входило в учебную программу: средневековой, ренессансной, индийской музыке, а также модернизму от Шёнберга, Веберна и Стравинского до Ноно и Штокхаузена.
Питер
Максвелл Дэвис
Максвелл Дэвис
1934, Солфорд, графство Ланкашир —
2016, Сандей, Оркнейские о-ва
2016, Сандей, Оркнейские о-ва
Тогда же сложилось убеждение композитора, сохранявшееся до конца его жизни: музыкальное произведение должно содержать некую конструктивистскую строгость и находиться вне стиля. В качестве источников такой строгости Дэвис называл Средневековье и Ренессанс, григорианский хорал, строгий контрапункт, Фому Аквинского (хотя из-за своих антиклерикальных высказываний композитор слыл воинствующим атеистом). Подобный подход, включающий особый звуковой образ ранних произведений Дэвиса с диссонантной комбинацией линий без перегруженности гармонией и колористикой, поместил его в ряды европейского музыкального авангарда второй половины ХХ века. Среди его сочинений — 10 симфоний, 7 опер, инструментальные концерты, фокстрот для оркестра «Пробуждение святого Фомы», монодрама «Восемь песен для безумного короля».
Один из наиболее исполняемых композиторов современной Армении, двукратный номинант премии Grammy. В 1947-м его семья переехала из Ливана в Армянскую ССР. В 1956-м он поселился в Ереване. Окончил Ереванскую консерваторию (1967, класс композиции Лазаря Сарьяна), c 1967-го преподавал в ней, в 1992−1995 годах был ее ректором. Современная техника письма в его творчестве соединяется с опорой на традиции национальной музыки.
Мансурян принадлежит к поколению армянских композиторов, пришедших на смену Хачатуряну и «Армянской могучей кучке». В 1960-е армянские композиторы начали отказываться от ориентализма и освобождаться от канонов соцреализма. Наметился поворот к авангарду, а с ним и отказ от классико-романтической традиции: «шестидесятники» и композиторы последующих поколений органично сочетали авангард с ритмически сложным национальным мелосом. Так поступал и Мансурян, вдохновлявшийся древним армянским языком и считавший его основой инструментальной музыки.
Мансурян принадлежит к поколению армянских композиторов, пришедших на смену Хачатуряну и «Армянской могучей кучке». В 1960-е армянские композиторы начали отказываться от ориентализма и освобождаться от канонов соцреализма. Наметился поворот к авангарду, а с ним и отказ от классико-романтической традиции: «шестидесятники» и композиторы последующих поколений органично сочетали авангард с ритмически сложным национальным мелосом. Так поступал и Мансурян, вдохновлявшийся древним армянским языком и считавший его основой инструментальной музыки.
Тигран
Мансурян
Мансурян
р. 1939, БЕЙРУТ
«Каждый язык — это не только фонетика, но и система мировосприятия», — отмечает композитор.
Осваивая язык авангарда, Мансурян обращался и к тем основам, которые на рубеже XIX—XX вв. закладывал Комитас. По словам композитора Ашота Зограбяна, «Мансурян был первым, кто по-настоящему увидел и понял Комитаса. Мансурян не только привнес в армянскую музыку европейские ценности, но и остался верен своим истокам… Мансурян не пошел, подобно многим, по хачатуряновскому пути, а сделал попытку продолжить традиции Комитаса».
В числе сочинений Мансуряна — Концерт для виолончели с оркестром, Двойной концерт для скрипки и виолончели с оркестром, Nachtmusik для оркестра, струнные квартеты, Реквием для сопрано, баритона, смешанного хора и струнного оркестра, музыка к фильмам «Цвет граната», «Осенняя пастораль», «Мы и наши горы», «Снег в трауре» и др. Среди исполнителей его сочинений — Наталия Гутман, Олег Каган, Алексей Любимов, Иван Монигетти, Эдуард Бруннер, Ким Кашкашьян, Патриция Копачинская, Ян Гарбарек.
Осваивая язык авангарда, Мансурян обращался и к тем основам, которые на рубеже XIX—XX вв. закладывал Комитас. По словам композитора Ашота Зограбяна, «Мансурян был первым, кто по-настоящему увидел и понял Комитаса. Мансурян не только привнес в армянскую музыку европейские ценности, но и остался верен своим истокам… Мансурян не пошел, подобно многим, по хачатуряновскому пути, а сделал попытку продолжить традиции Комитаса».
В числе сочинений Мансуряна — Концерт для виолончели с оркестром, Двойной концерт для скрипки и виолончели с оркестром, Nachtmusik для оркестра, струнные квартеты, Реквием для сопрано, баритона, смешанного хора и струнного оркестра, музыка к фильмам «Цвет граната», «Осенняя пастораль», «Мы и наши горы», «Снег в трауре» и др. Среди исполнителей его сочинений — Наталия Гутман, Олег Каган, Алексей Любимов, Иван Монигетти, Эдуард Бруннер, Ким Кашкашьян, Патриция Копачинская, Ян Гарбарек.
Один из крупнейших представителей современной музыки Франции. Ученик Оливье Мессиана, активнейший сотрудник парижской электронной студии IRCAM, профессор Колумбийского университета в Нью-Йорке. Вырвавшись в середине 1970-х годов из жестких рамок серийного письма, культивируемого Пьером Булезом, Мюрай и композиторы группы L’Itinéraire обратились к исследованию акустической и психоакустической природы звука, заложенной в строении его спектра. Участники группы изначально позиционировали себя как приверженцы эстетики «искусства звуков», в противовес доминировавшей в музыке 1960-х парадигме, основанной на закономерностях серийного и сериального методов композиции.
Термин «спектральная музыка» принадлежит композитору и музыковеду Югу Дюфуру, обосновавшему концепцию нового направления. Одним из последовательных приверженцев спектрального метода стал Мюрай, трактующий строение звука в качестве модели структурирования музыкальной формы и одухотворяющих ее процессов. Модульная система композиции лежит в основе его сочинений, начиная с оркестрового «Sables» (1975) и «Mémoire/Érosion» для валторны и 9 инструментов (1976).
Термин «спектральная музыка» принадлежит композитору и музыковеду Югу Дюфуру, обосновавшему концепцию нового направления. Одним из последовательных приверженцев спектрального метода стал Мюрай, трактующий строение звука в качестве модели структурирования музыкальной формы и одухотворяющих ее процессов. Модульная система композиции лежит в основе его сочинений, начиная с оркестрового «Sables» (1975) и «Mémoire/Érosion» для валторны и 9 инструментов (1976).
ТРИСТАН
МЮРАЙ
МЮРАЙ
Р. 1947, ГАВР
Идеи спектральной школы, представленной Жераром Гризе, Тристаном Мюраем, Микаэлем Левинасом, Югом Дюфуром, Филиппом Юрелем быстро распространились за пределами Франции, став частью самых разных методик, объединенных связью с физическими и акустическими особенностями звука как прообразами параметров музыкального языка.
Как и его коллеги по L’Itinéraire, Мюрай использует собственную технику композиции, во многом основанную на инструментальной имитации методов из области электронного синтеза тембров. Образуемые каждым конкретным звуком гармонические и негармонические обертоны тщательно исследуются композитором с помощью компьютера и служат материалом для создания бесконечно разнообразных партитур. Его музыка внесла значительный вклад в современное музыкальное искусство Франции, а по значимости имена Мюрая и Гризе приближаются к именам Мессиана и Анри Дютийё. На новом этапе композиторского письма Мюрай следует истинно французской традиции, соединяя свои открытия, скрупулезную аналитичность Рамо и преклонение перед красотой каждого отдельного звука, свойственное импрессионизму Равеля и Дебюсси. В цифровую эпоху Мюрай проявляет себя художником истинно французского духа.
Как и его коллеги по L’Itinéraire, Мюрай использует собственную технику композиции, во многом основанную на инструментальной имитации методов из области электронного синтеза тембров. Образуемые каждым конкретным звуком гармонические и негармонические обертоны тщательно исследуются композитором с помощью компьютера и служат материалом для создания бесконечно разнообразных партитур. Его музыка внесла значительный вклад в современное музыкальное искусство Франции, а по значимости имена Мюрая и Гризе приближаются к именам Мессиана и Анри Дютийё. На новом этапе композиторского письма Мюрай следует истинно французской традиции, соединяя свои открытия, скрупулезную аналитичность Рамо и преклонение перед красотой каждого отдельного звука, свойственное импрессионизму Равеля и Дебюсси. В цифровую эпоху Мюрай проявляет себя художником истинно французского духа.
Композитор-новатор, один из ярких представителей культуры русского зарубежья, принадлежащий вместе с Иваном Вышнеградским к постскрябинскому направлению в музыке. Создатель новой «упрощающей» нотации, гармонической системы под названием «Тональная, атональная и тотальная гармония».
Двоюродный брат солистки Большого театра, певицы Надежды Андреевны Обуховой. Среди сподвижников и почитателей его творчества были Иван Вышнеградский, Петр Сувчинский, Борис Шлёцер, Оливье Мессиан, Раймон Пети, Клод Баллиф. Обухов родился в селе Ольшанка Старосельского уезда Курской губернии в дворянской семье. Его бабушка по отцовской линии Елизавета Ильинична была внучкой поэта Евгения Баратынского, дядя Сергей Трофимович Обухов служил управляющим Московской конторой Императорских театров. Будущий композитор с детства играл на скрипке и фортепиано, посещал оперу, с ранних лет узнав творчество Вагнера, Мусоргского, Римского-Корсакова и Скрябина. В 1911 году поступил в Московскую консерваторию, с 1913‑го продолжил учебу в Санкт-Петербургской консерватории у Николая Черепнина и Максимилиана Штейнберга.
К 1915 году относится изобретение Обуховым «упрощающей» нотации, которой позже пользовались не только он сам, но также Оливье Мессиан, Артюр Онеггер, Андре Жоливе. Тогда же им была сформулирована идея новой гармонии, которая во многих аспектах предвосхитила додекафонию Арнольда Шёнберга.
Двоюродный брат солистки Большого театра, певицы Надежды Андреевны Обуховой. Среди сподвижников и почитателей его творчества были Иван Вышнеградский, Петр Сувчинский, Борис Шлёцер, Оливье Мессиан, Раймон Пети, Клод Баллиф. Обухов родился в селе Ольшанка Старосельского уезда Курской губернии в дворянской семье. Его бабушка по отцовской линии Елизавета Ильинична была внучкой поэта Евгения Баратынского, дядя Сергей Трофимович Обухов служил управляющим Московской конторой Императорских театров. Будущий композитор с детства играл на скрипке и фортепиано, посещал оперу, с ранних лет узнав творчество Вагнера, Мусоргского, Римского-Корсакова и Скрябина. В 1911 году поступил в Московскую консерваторию, с 1913‑го продолжил учебу в Санкт-Петербургской консерватории у Николая Черепнина и Максимилиана Штейнберга.
К 1915 году относится изобретение Обуховым «упрощающей» нотации, которой позже пользовались не только он сам, но также Оливье Мессиан, Артюр Онеггер, Андре Жоливе. Тогда же им была сформулирована идея новой гармонии, которая во многих аспектах предвосхитила додекафонию Арнольда Шёнберга.
Николай
Обухов
Обухов
1892, с. Ольшанка, Курская губ. —
1954, Сен-Клу под Парижем
1954, Сен-Клу под Парижем
Первый концерт, где звучали сочинения Обухова, состоялся в 1916 году в Малом зале Петербургской консерватории под эгидой журнала «Музыкальный современник». В 1917 году разработал концепции новейших электроакустических инструментов — кристалла, волн и эфира. Впоследствии, в начале 1930‑х, им при содействии французских инженеров был сконструирован еще один такого рода инструмент — звучащий крест (croix sonore). Большая часть сочинений Обухова написана для ансамблей с звучащим крестом.
В 1919 году Обухов эмигрировал во Францию, где вскоре познакомился с Морисом Равелем, которого называл своим учителем. Благодаря Равелю имя Обухова стало известно музыкальной общественности. К концу 1920‑х относится не менее судьбоносная его встреча с известной пианисткой Марией-Антуанеттой Оссенак де Брольи, в дальнейшем ставшей исполнительницей сочинений Обухова на звучащем кресте и пропагандисткой его творчества. Главное сочинение Обухова — многочасовая партитура «Книга Жизни" (1918−1926), записанная им в собственной нотации. Обухов является также автором эссе «Эмоции в музыке" (1927) и "Трактата тональной, атональной и тотальной гармонии» (1947). В 2000‑е годы сочинения Обухова звучат все чаще. Среди исполнителей его музыки — пианистки Нино Баркалая и Дженни Лин, фортепианный дуэт Изабель и Флоранс Лафитт, пианисты Джей Готлиб, Роджер Вудворд, Михаил Дубов, Александр Райхельсон, Лидия Кавина (терменвокс), дирижеры Фёдор Леднёв, Рейнберт де Леу, Паскаль Рофе и другие.
В 1919 году Обухов эмигрировал во Францию, где вскоре познакомился с Морисом Равелем, которого называл своим учителем. Благодаря Равелю имя Обухова стало известно музыкальной общественности. К концу 1920‑х относится не менее судьбоносная его встреча с известной пианисткой Марией-Антуанеттой Оссенак де Брольи, в дальнейшем ставшей исполнительницей сочинений Обухова на звучащем кресте и пропагандисткой его творчества. Главное сочинение Обухова — многочасовая партитура «Книга Жизни" (1918−1926), записанная им в собственной нотации. Обухов является также автором эссе «Эмоции в музыке" (1927) и "Трактата тональной, атональной и тотальной гармонии» (1947). В 2000‑е годы сочинения Обухова звучат все чаще. Среди исполнителей его музыки — пианистки Нино Баркалая и Дженни Лин, фортепианный дуэт Изабель и Флоранс Лафитт, пианисты Джей Готлиб, Роджер Вудворд, Михаил Дубов, Александр Райхельсон, Лидия Кавина (терменвокс), дирижеры Фёдор Леднёв, Рейнберт де Леу, Паскаль Рофе и другие.
После окончания Ленинградской консерватории (1963) преподавал теоретические дисциплины и композицию в Петрозаводском музыкальном училище имени К. Раутио, вел класс композиции в Петрозаводской консерватории. Творчество Патлаенко охватывает разные жанры, от вокальных и инструментальных миниатюр до театральной и балетной музыки. Среди его центральных сочинений — балет «Гайавата» по поэме Лонгфелло; ораториальная симфония «Русия и меч» на тексты исторических документов и русских народных песен;
Эдуард
Патлаенко
Патлаенко
1936, Котельников, Сталинградская обл. —
2019, Карелия
2019, Карелия
«Симфонические руны» для оркестра и симфония-кантата «Кантелетар», написанные по мотивам карело-финского народного эпоса «Калевала»; вокальные произведения на стихи Ли Бо, Сафо, Державина, Пушкина, Тютчева, Ахматовой, Сологуба. Произведения Патлаенко исполнялись в России и за рубежом (Франция, Германия, Югославия, Чехословакия, Латвия). Заслуженный деятель искусств КАССР (1984). Заслуженный деятель искусств РСФСР (1987). Кавалер ордена Дружбы (2002). Лауреат премии Республики Карелия в области культуры, искусства и литературы (2002).
Окончил Академическое музыкальное училище при Московской государственной консерватории имени П. И. Чайковского по специальности «хоровое дирижирование» и Московскую консерваторию по специальности «композиция» (классы профессоров Владимира Тарнопольского, Юрия Каспарова). Композитор, саунд-художник, сооснователь междисциплинарной арт-группы Waldgang, исполнитель собственных произведений для специально сконструированной скрипки. Работает на стыке акустического и электронного звука, использует в своих перформансах техники горлового пения. Лауреат II премии лаборатории «Открытый космос» под руководством Дмитрия Курляндского (2021).
Павел
Поляков
Поляков
р. 1998, ВЛАДИВОСТОК
Произведения Полякова звучали в Зале «Зарядье», Рахманиновском зале консерватории, Доме радио, галерее Île Thélème, Зверевском центре современного искусства, МИРА-центре (Суздаль) и на других площадках. Среди исполнителей его сочинений — Наталья Соколовская, Ольга Власова, Сергей Полтавский, Елена Ревич, Татьяна Бикмухаметова, ансамбли «Студия новой музыки», Île Thélème. Автор музыки к спектаклям Ивана Миневцева «Русское. Островский» и «Петербургские повести» (Челябинский молодежный театр), Талгата Баталова — «Гастроли в Ленинград» (Театр имени Ермоловой), «Шанель № Стравинский» (ММДМ), «Маленький герой» (Зарайский Кремль) и др. Композитор и соавтор многочисленных междисциплинарных проектов.
В 1963 году окончил Таллинскую консерваторию по классу композиции Хейно Эллера. В 1957—1967 работал звукорежиссером Эстонского радио. В 1968‑м обратился к серийной технике («Perpetuum mobile») и технике коллажа (Симфония № 2, 1966; «Pro et contra» для виолончели с оркестром, 1966, и др.). С начала 1970‑х активно изучал григорианское пение и средневековую полифонию, что определило направленность его творческой эволюции. Третья симфония (1971) ознаменовала сдвиг в сторону диатоники, модальности и благозвучия. В середине 1970‑х Пярт пришел к новому стилю, основанному на простейших звуковых элементах — трезвучии и движении по тонам диатонического звукоряда; Пярт назвал его tintinnabuli (лат. «колокольчики») и охарактеризовал как «бегство в добровольную бедность». Первые же произведения, созданные в этом стиле, — «Arbos», «Fratres», «Summа», «Tabula rasa», «Cantus» памяти Бриттена — принесли ему мировую известность и с тех пор широко исполняются, в том числе в позднейших авторских редакциях.
АРВО
ПЯРТ
ПЯРТ
Р. 1935, ПАЙДЕ, ЭСТОНИЯ
В 1980 году Пярт эмигрировал из СССР и обосновался в Вене, где подписал договор с крупным нотным издательством Universal Edition, в 1981‑м переехал в Берлин. С 2010 года постоянно живет в Эстонии. В 2018 году в деревне Лауласмаа открылся Центр Арво Пярта.
Стиль tintinnabuli был развит им в сочинениях последующих лет, проникнутых смиренным и возвышенным религиозным духом; среди самых значительных — «De profundis» для мужского хора и органа (1980), «Passio Domini nostri Jesu Christi secundum Joannem» («Страсти по Иоанну», 1982), «Stabat mater» (1985), «Те Deum» (1985), 7 антифонов к «Магнификату» (на немецкие тексты, 1988), «Магнификат» (1989), «Богородице Дево» для хора a cappella (1990), Берлинская месса (1990−1991), Канон покаянен для хора a cappella (1998).
Стиль tintinnabuli был развит им в сочинениях последующих лет, проникнутых смиренным и возвышенным религиозным духом; среди самых значительных — «De profundis» для мужского хора и органа (1980), «Passio Domini nostri Jesu Christi secundum Joannem» («Страсти по Иоанну», 1982), «Stabat mater» (1985), «Те Deum» (1985), 7 антифонов к «Магнификату» (на немецкие тексты, 1988), «Магнификат» (1989), «Богородице Дево» для хора a cappella (1990), Берлинская месса (1990−1991), Канон покаянен для хора a cappella (1998).
Училась в ЦМШ, затем в Московской консерватории и аспирантуре у Эдисона Денисова и Владимира Тарнопольского (композиция), Николая Корндорфа и Юрия Буцко (чтение партитур), Юрия Холопова (теория музыки), Елены Сорокиной, Татьяны Чередниченко. Уже в студенческие годы музыка Раевой исполнялась на фестивалях «Московская осень», «Москва-Модерн», «Альтернатива»; критика упоминала ее среди «наиболее одаренных русских композиторов молодого поколения». Ее сочинения звучали на европейских фестивалях современной музыки Gaudeamus Music Week, Muzički Biennale Zagreb, Dresdner Tage der zeitgenössische Musik, ISCM World Music Days, Musikprotokoll, Klangspuren, Wittener Tage für Neue Kammermusik, Internationale Ferienkurse für Neue Musik, Darmstadt, а также в США, Канаде, Бразилии, Израиле, Южной Корее. Среди исполнителей — Arditti Quartett, Klangforum Wien, Ensemble Modern, Ensemble Recherche, Asko|Schönberg, Le Nouvel Ensemble Modern, «ПетРо Дуэт», «Студия новой музыки», МАСМ, дирижеры Владимир Юровский, Иоханнес Калитцке, Франк Оллу, Александр Сладковский и др.
Ольга
Раева
Раева
р. 1971, МОСКВА
Обладательница Гран-при Международного конкурса имени Гоффредо Петрасси за сочинение для оркестра и фортепиано, лауреат Международного композиторского форума в Монреале, летнего фестиваля в Хитцаккере, лауреат музыкальной премии города Кёльна имени Бернда Алоиса Циммермана, Берлинской композиторской премии, удостоена многих престижных стипендий в России, Германии, Италии. Была «артистом в резиденции» культурного центра Villa Aurora & Thomas Mann House (Лос-Анджелес) и парижского Cité de la musique. Автор ряда камерных и симфонических сочинений, а также оперно-театрального проекта «Сны Минотавра», созданного в содружестве с писателем Владимиром Сорокиным.
Член Ассоциации современной музыки. Сочинения композитора публикуются издательствами Donemus (Нидерланды), Ricordi (Италия), Verlag Neue Musik (Германия). Живет и работает преимущественно в Берлине.
Член Ассоциации современной музыки. Сочинения композитора публикуются издательствами Donemus (Нидерланды), Ricordi (Италия), Verlag Neue Musik (Германия). Живет и работает преимущественно в Берлине.
Окончил Санкт-Петербургскую государственную консерваторию имени Н. А. Римского-Корсакова как композитор (класс профессора Бориса Тищенко) и аспирантуру как музыковед. Стажировался в Высшей школе музыки Кёльна в области электронной музыки у профессора Ханса Ульриха Хумперта.
Стипендиат фонда «Гартов» (Германия), обладатель композиторских премий имени Сальваторе Мартирано (США) и Джанни Бергамо (Швейцария), лауреат конкурса Teatro minima Цюрихской государственной оперы. В 2007 году был «композитором в резиденции» Даремского университета (Великобритания).
В 2013 году за оперу «Два акта» (по либретто Дмитрия Пригова) Владимир Раннев получил Гран-при Премии Сергея Курёхина. В 2016 году был номинирован на премию «Золотая маска» (эпизод V оперного сериала Бориса Юхананова «Сверлийцы»). Удостоен Российской оперной премии Casta Diva (2017) и премии «Золотая маска» (2019) за оперу «Проза» в Электротеатре Станиславский. Ее CD-релиз, изданный лейблом FancyMusic, получил международную премию «Чистый звук» за лучшую запись российской академической музыки (2019).
Сочинения Владимира Раннева звучали в России, Украине, Германии, Австрии, Швейцарии, Нидерландах, Великобритании, Италии, Финляндии, Польше, Японии и США. Среди исполнителей — Российский национальный молодежный симфонический оркестр, Государственный академический симфонический оркестр Санкт-Петербурга, Московский ансамбль современной музыки, «Студия новой музыки», Just Ensemble, вокальные ансамбли Questa Musica, N’Caged, хор Смольного собора (Россия), ансамбли Nostri Temporis (Украина), Orkest De Volharding, Amstel Quartet (Нидерланды), Ensemble Phoenix Basel, Ensemble Proton Bern,
Стипендиат фонда «Гартов» (Германия), обладатель композиторских премий имени Сальваторе Мартирано (США) и Джанни Бергамо (Швейцария), лауреат конкурса Teatro minima Цюрихской государственной оперы. В 2007 году был «композитором в резиденции» Даремского университета (Великобритания).
В 2013 году за оперу «Два акта» (по либретто Дмитрия Пригова) Владимир Раннев получил Гран-при Премии Сергея Курёхина. В 2016 году был номинирован на премию «Золотая маска» (эпизод V оперного сериала Бориса Юхананова «Сверлийцы»). Удостоен Российской оперной премии Casta Diva (2017) и премии «Золотая маска» (2019) за оперу «Проза» в Электротеатре Станиславский. Ее CD-релиз, изданный лейблом FancyMusic, получил международную премию «Чистый звук» за лучшую запись российской академической музыки (2019).
Сочинения Владимира Раннева звучали в России, Украине, Германии, Австрии, Швейцарии, Нидерландах, Великобритании, Италии, Финляндии, Польше, Японии и США. Среди исполнителей — Российский национальный молодежный симфонический оркестр, Государственный академический симфонический оркестр Санкт-Петербурга, Московский ансамбль современной музыки, «Студия новой музыки», Just Ensemble, вокальные ансамбли Questa Musica, N’Caged, хор Смольного собора (Россия), ансамбли Nostri Temporis (Украина), Orkest De Volharding, Amstel Quartet (Нидерланды), Ensemble Phoenix Basel, Ensemble Proton Bern,
Владимир
Раннев
Раннев
р. 1970, МОСКВА
Kontra-Trio, UMS 'n JIP (Швейцария), NAMES (Австрия), 2e2m, Les Percussions de Strasbourg (Франция), Mosaik, Intégrales, Les Eclats du Son, LUX: NM, El Perro Andaluz, Clair-obscure, L’Art pour l’art, Recherche, Neue Vocalsolisten Stuttgart, AuditivVokal, Sinfonietta Dresden, хоры Singakademie Oberhausen, Cantus Domus (Германия) и др. Сочинения композитора публикуются издательством Donemus (Нидерланды).
Основные произведения: оперы «Синяя Борода. Материалы дела», «Два акта», «Сверлийцы», «Проза», «Бойня номер 5», «Сережа очень тупой», балет «Ultima Thule», Концерт для скрипки и виолончели с оркестром, «К лесу задом, ко мне передом» для детского голоса и оркестра, «Сильнейшие» для голоса и оркестра, «Non contra ambo» для флейты и контрабаса, «Error. Try Again» для камерного ансамбля, «Futuresong» для голоса и электроники, «An eine, die vorüberging» для женского голоса и фортепиано, «P est a. iss O ex glo ae» для флейты, бас-кларнета и фортепиано, «Touch I» и «Touch II» для камерного ансамбля и интерактивной электроники, «Enfin je suis libre» для голоса и камерного ансамбля; музыка к драматическим спектаклям «Теллурия», «Дороги», «Новое время" (Александринский театр), «Аустерлиц" (БДТ), «Собачье сердце» (театр «Приют комедианта»), «Марат де Сад» (фестиваль «Точка доступа»), «Хранить вечно" (Санкт-Петербург, Манеж), «Дом» (Казань, театр «Угол»), «Eternal Russia» (Берлин, театр Hebbel am Ufer), «Спички» (Калининградский драматический театр), «Саша, привет» (Театр Наций), «Стоики" (МХТ), «Ansichten eines Clowns" (Национальный театр Мангейма), «Checkpoint Woodstock" (Гамбург, театр Thalia), «Museum of Uncounted Voices» (Вена, театр Odeon) и др.
Основные произведения: оперы «Синяя Борода. Материалы дела», «Два акта», «Сверлийцы», «Проза», «Бойня номер 5», «Сережа очень тупой», балет «Ultima Thule», Концерт для скрипки и виолончели с оркестром, «К лесу задом, ко мне передом» для детского голоса и оркестра, «Сильнейшие» для голоса и оркестра, «Non contra ambo» для флейты и контрабаса, «Error. Try Again» для камерного ансамбля, «Futuresong» для голоса и электроники, «An eine, die vorüberging» для женского голоса и фортепиано, «P est a. iss O ex glo ae» для флейты, бас-кларнета и фортепиано, «Touch I» и «Touch II» для камерного ансамбля и интерактивной электроники, «Enfin je suis libre» для голоса и камерного ансамбля; музыка к драматическим спектаклям «Теллурия», «Дороги», «Новое время" (Александринский театр), «Аустерлиц" (БДТ), «Собачье сердце» (театр «Приют комедианта»), «Марат де Сад» (фестиваль «Точка доступа»), «Хранить вечно" (Санкт-Петербург, Манеж), «Дом» (Казань, театр «Угол»), «Eternal Russia» (Берлин, театр Hebbel am Ufer), «Спички» (Калининградский драматический театр), «Саша, привет» (Театр Наций), «Стоики" (МХТ), «Ansichten eines Clowns" (Национальный театр Мангейма), «Checkpoint Woodstock" (Гамбург, театр Thalia), «Museum of Uncounted Voices» (Вена, театр Odeon) и др.
Ваграм Саргсян (Саркисян) — армянский композитор, дирижер и певец. Изучал теорию музыки в Ереванском музыкальном колледже имени П. И. Чайковского. Окончил Государственную консерваторию имени Комитаса в Ереване по двум специальностям, композиция (класс Ашота Зограбяна) и дирижирование (класс Тиграна Экекяна).
Продолжил обучение в Музыкальной школе Шулиха при Университете Макгилла (класс композиции Филиппа Леру). Живет в Монреале (Канада). Приобрел известность благодаря хоровым и камерным сочинениям, в которых черты средневековых армянских песнопений сочетаются с использованием расширенных вокальных техник и множеством разнородных стилистических влияний. Вокалист-экспериментатор, Саргсян разработал уникальную систему пения с богатым набором приемов и методов звукоизвлечения.
Продолжил обучение в Музыкальной школе Шулиха при Университете Макгилла (класс композиции Филиппа Леру). Живет в Монреале (Канада). Приобрел известность благодаря хоровым и камерным сочинениям, в которых черты средневековых армянских песнопений сочетаются с использованием расширенных вокальных техник и множеством разнородных стилистических влияний. Вокалист-экспериментатор, Саргсян разработал уникальную систему пения с богатым набором приемов и методов звукоизвлечения.
Ваграм
Саргсян
Саргсян
р. 1981, ЕРЕВАН
Его аранжировка древнеармянского песнопения «Великая тайна» была включена в антологию Oxford University Press «World Carols for Choirs» и записана хором BBC Singers. Сочинение Саркисяна «Hunting the Hunter» («Охотясь на охотника») для 7 инструментов впервые прозвучало под его управлением в Карнеги-холле в 2012 году. Композиция «Joyful Light» («Свет радости») для женского хора исполнялась более 100 раз по всему миру.
Саргсян — один из основателей монреальского экспериментального вокального ансамбля Phth, который специализируется на исполнении современной академической музыки, импровизации и междисциплинарных практиках. Преподает, проводит мастер-классы по расширенным вокальным техникам.
Саргсян — один из основателей монреальского экспериментального вокального ансамбля Phth, который специализируется на исполнении современной академической музыки, импровизации и междисциплинарных практиках. Преподает, проводит мастер-классы по расширенным вокальным техникам.
Окончил Падуанскую консерваторию по классу композиции Джованни Бонато, также учился у Сальваторе Шаррино. Профессор Падуанской консерватории. В обширном списке сочинений Леонардо Скьяво — оркестровые, вокальные и камерные опусы. В числе их исполнителей — Национальный симфонический оркестр Польского радио, Брюссельский филармонический оркестр, Миланский симфонический оркестр имени Джузеппе Верди. В 2013 году Скьяво был композитором-резидентом Эстонского национального мужского хора.
Леонардо
Скьяво
Скьяво
p. 1983
Его произведения исполнялись в Карнеги-холле, в Миланском соборе, на 55-м Международном фестивале современной музыки «Варшавская осень», MITO — Международном музыкальном фестивале в Турине, фестивале «Флорентийский музыкальный май», транслировались по радио и телевидению. Скьяво — лауреат международных и национальных итальянских премий в области композиции. Его сочинения публикуют издательства Universal Edition, Edition Peters, Casa Ricordi и др.
Родился в 1948 году в Минске в семье оперных певцов. В 1967 году окончил музыкальное училище в городе Фрунзе (ныне Бишкек). Затем поступил в Московскую консерваторию, где осваивал композицию и анализ под руководством Николая Сидельникова и Юрия Холопова. Тогда же произошли две главные встречи в его жизни — с будущей супругой, композитором Еленой Фирсовой, и с Эдисоном Денисовым — его учителем оркестровки. В 1979 году все трое попадут в так называемый «черный список» Тихона Хренникова, оглашенный им на VI съезде Союза композиторов: поводом для гонений послужило включение музыки авторов-
нонконформистов в программы музыкальных фестивалей в Кёльне и Венеции.
Несмотря на бойкот в СССР, музыка Смирнова исполнялась за рубежом. В 1989 году прошли постановки его опер на сюжеты Уильяма Блейка — «Тириэль» во Фрайбурге и «Тэль» в Лондоне. В том же году его Первая симфония «Времена года» прозвучала на Тэнглвудском фестивале в США. Музыка Смирнова звучала под управлением дирижеров Риккардо Мути, Геннадия Рождественского, Василия Синайского, Петера Этвёша и др.
нонконформистов в программы музыкальных фестивалей в Кёльне и Венеции.
Несмотря на бойкот в СССР, музыка Смирнова исполнялась за рубежом. В 1989 году прошли постановки его опер на сюжеты Уильяма Блейка — «Тириэль» во Фрайбурге и «Тэль» в Лондоне. В том же году его Первая симфония «Времена года» прозвучала на Тэнглвудском фестивале в США. Музыка Смирнова звучала под управлением дирижеров Риккардо Мути, Геннадия Рождественского, Василия Синайского, Петера Этвёша и др.
Дмитрий
Смирнов
Смирнов
1948, Минск —
2020, Уотфорд, Хартфордшир
2020, Уотфорд, Хартфордшир
Его сочинения публиковали крупнейшие издательства — Boosey & Hawkes и Sikorski.
В 1990 году Смирнов стал одним из основателей новой Ассоциации современной музыки (АСМ‑2), по инициативе которой в Москву приезжали на авторские концерты Пьер Булез, Карлхайнц Штокхаузен, Янис Ксенакис, Анри Пуссёр. В 1991 году Смирнов с женой эмигрировали в Великобританию. Там он получил резиденцию в Кембридже, а затем в графстве Девоншир. Был профессором Килского университета, преподавал композицию и русскую музыку в Голдсмитском колледже. Помимо музыки, Смирнов писал стихи и прозу под псевдонимом Дмитрий Смирнов-Садовский, переводил произведения Эдварда Лира, Джеймса Джойса, Басё и других. Его главным увлечением было творчество Блейка: Смирнов перевел многие сочинения поэта, а также написал его биографию на русском языке. Смирнов писал и о музыке, в том числе об окружавших его композиторах — Денисове, Шнитке, Губайдулиной — и об авторах, повлиявших на его искусство, таких как Веберн, Булез, Лигети, Фернихоу, Стравинский, Шостакович.
В 1990 году Смирнов стал одним из основателей новой Ассоциации современной музыки (АСМ‑2), по инициативе которой в Москву приезжали на авторские концерты Пьер Булез, Карлхайнц Штокхаузен, Янис Ксенакис, Анри Пуссёр. В 1991 году Смирнов с женой эмигрировали в Великобританию. Там он получил резиденцию в Кембридже, а затем в графстве Девоншир. Был профессором Килского университета, преподавал композицию и русскую музыку в Голдсмитском колледже. Помимо музыки, Смирнов писал стихи и прозу под псевдонимом Дмитрий Смирнов-Садовский, переводил произведения Эдварда Лира, Джеймса Джойса, Басё и других. Его главным увлечением было творчество Блейка: Смирнов перевел многие сочинения поэта, а также написал его биографию на русском языке. Смирнов писал и о музыке, в том числе об окружавших его композиторах — Денисове, Шнитке, Губайдулиной — и об авторах, повлиявших на его искусство, таких как Веберн, Булез, Лигети, Фернихоу, Стравинский, Шостакович.
Один из крупнейших отечественных симфонистов второй половины ХХ века. Его педагогами по композиции были Галина Уствольская, Вадим Салманов, Виктор Волошинов, Орест Евлахов, однако наибольшее влияние на творчество Тищенко оказал Шостакович, под чьим руководством композитор совершенствовался в аспирантуре. «Самым преданным последователем Шостаковича-симфониста» называет Тищенко музыковед Левон Акопян: «Следуя принципам Шостаковича, Тищенко сочинял музыку „больших идей“, насыщенную драматическими конфликтами… С его смертью в 2010 году фактически завершилась эпоха музыки „больших идей“, требующих для своего воплощения сложных монументальных симфонических форм в традициях и духе Шостаковича».
В 1957 году окончил Музыкальное училище при Ленинградской консерватории, в 1962-м — консерваторию, в 1965-м — аспирантуру. С 1965 года преподавал в Ленинградской консерватории (с 1980 доцент, с 1986 — профессор).
Многие опусы композитора снискали известность еще в годы обучения. Так, Концерт для фортепиано с оркестром, впервые прозвучавший в Москве в 1963 году в авторском исполнении под управлением Игоря Блажкова, стал своеобразным трамплином для дальнейшей творческой карьеры молодого автора. Феноменальный успех завоевал балет «Ярославна (Затмение)» (1974) по «Слову о полку Игореве». Спектакль выдержал около сотни показов на сцене МАЛЕГОТа и получил международное признание на Авиньонском фестивале в 1976 году.
В 1957 году окончил Музыкальное училище при Ленинградской консерватории, в 1962-м — консерваторию, в 1965-м — аспирантуру. С 1965 года преподавал в Ленинградской консерватории (с 1980 доцент, с 1986 — профессор).
Многие опусы композитора снискали известность еще в годы обучения. Так, Концерт для фортепиано с оркестром, впервые прозвучавший в Москве в 1963 году в авторском исполнении под управлением Игоря Блажкова, стал своеобразным трамплином для дальнейшей творческой карьеры молодого автора. Феноменальный успех завоевал балет «Ярославна (Затмение)» (1974) по «Слову о полку Игореве». Спектакль выдержал около сотни показов на сцене МАЛЕГОТа и получил международное признание на Авиньонском фестивале в 1976 году.
Борис
Тищенко
Тищенко
1939, Ленинград —
2010, Санкт-Петербург
2010, Санкт-Петербург
Тищенко не обошел своим вниманием ни один из жанров. Им созданы 8 симфоний (9-я не окончена), 4 программных симфонии, балеты «Двенадцать», «Муха-Цокотуха», «опера «Краденое солнце», оперетта «Тараканище», Реквием на стихи Анны Ахматовой, несколько вокальных циклов, 9 инструментальных концертов, 11 фортепианных сонат, 5 сонат для струнных инструментов соло, музыка к театральным постановкам и кинофильмам, хореосимфоническая циклиада «Беатриче» (1997−2005) по «Божественной комедии» Данте.
Среди исполнителей музыки Тищенко — дирижеры Геннадий Рождественский, Валерий Гергиев, Александр Дмитриев, Василий Синайский, Николай Алексеев, Юрий Кочнев, Теодор Курентзис, Эдуард Серов, Павел Бубельников, солисты Мстислав Ростропович, Виктория Постникова, Виктор Либерман, Иван Монигетти, Исай Браудо, Сергей Стадлер.
Лауреат Государственной премии России имени М. И. Глинки (1978), заслуженный деятель искусств России (1978), народный артист России (1987), лауреат премии мэра Санкт-Петербурга (1995), награжден Орденом «За заслуги перед Отечеством» IV степени за большой вклад в развитие музыкального искусства (2002), премией Правительства Российской Федерации в области культуры за создание цикла «Данте-симфоний» («Беатриче»).
Среди исполнителей музыки Тищенко — дирижеры Геннадий Рождественский, Валерий Гергиев, Александр Дмитриев, Василий Синайский, Николай Алексеев, Юрий Кочнев, Теодор Курентзис, Эдуард Серов, Павел Бубельников, солисты Мстислав Ростропович, Виктория Постникова, Виктор Либерман, Иван Монигетти, Исай Браудо, Сергей Стадлер.
Лауреат Государственной премии России имени М. И. Глинки (1978), заслуженный деятель искусств России (1978), народный артист России (1987), лауреат премии мэра Санкт-Петербурга (1995), награжден Орденом «За заслуги перед Отечеством» IV степени за большой вклад в развитие музыкального искусства (2002), премией Правительства Российской Федерации в области культуры за создание цикла «Данте-симфоний» («Беатриче»).
Детство провел в Абхазии, где его отец работал врачом. Окончил Московскую консерваторию (класс композиции Тихона Хренникова) в 1963 году, затем аспирантуру (класс Арама Хачатуряна). С 1966 года преподавал в консерватории чтение партитур и инструментовку. По словам композитора Юрия Буцко, Чаргейшвили был «ярчайшим представителем эпохи протеста». Он использовал техники, характерные для «второй волны» советского авангарда, при этом его музыка сохраняла связь с национальными (грузинскими и абхазскими) истоками.
Нектариос
Чаргейшвили
Чаргейшвили
1937, Ленинград —
1971, Москва
1971, Москва
Чаргейшвили владел английским, французским, немецким, итальянским, испанским, греческим и персидским языками, был выдающимся теологом, глубоким знатоком Священного Писания. Свое миропонимание он воплотил в трактате «Эзотерическая доктрина христианства» и центральном своем сочинении — Симфонии. Как и многие другие произведения, Симфония не прозвучала при его жизни. Первое исполнение состоялось через 18 лет после смерти автора. Чаргейшвили погиб в возрасте 34 лет.
