MUSICA SACRA NOVA 2024 | Композиторы

ФОНД КАРЕТНИКОВА

СТАТЬИ

ВЫСТАВКА

КОНЦЕРТЫ

2023

КОМПОЗИТОРЫ

ЖОРЖ АПЕРГИС

ЛЕРА АУЭРБАХ

ОЛЬГА БОЧИХИНА

АЛЕКСАНДР ВУСТИН

ИВАН ВЫШНЕГРАДСКИЙ

АЛЕКСАНДР ГРЕЧАНИНОВ

СОФИЯ ГУБАЙДУЛИНА

ВЛАДИМИР ДЕШЕВОВ

ПАСКАЛЬ ДЮСАПЕН

НИКОЛАЙ КАРЕТНИКОВ

АРТУР ЛУРЬЕ

СЕРГЕЙ ЛЯПУНОВ

МИХАИЛ МАТЮШИН

НИКОЛАЙ ОБУХОВ

ГЕОРГ ПЕЛЕЦИС

АРВО ПЯРТ

КАЙЯ СААРИАХО

НИКОЛАЙ СИДЕЛЬНИКОВ

АЛЕКСАНДР СКРЯБИН

СЕРГЕЙ СЛОНИМСКИЙ

ДМИТРИЙ СМИРНОВ

ИГОРЬ СТРАВИНСКИЙ

ВЛАДИМИР ТАРНОПОЛЬСКИЙ

ГАЛИНА УСТВОЛЬСКАЯ

НИКОЛАЙ ЧЕРЕПНИН

МИКАЛОЮС ЧЮРЛЁНИС

КАРОЛЬ ШИМАНОВСКИЙ

АЛЬФРЕД ШНИТКЕ

МАКСИМИЛИАН ШТЕЙНБЕРГ

Родился в 1945 году в Афинах. Его отец был скульптором, мать — художницей, и Жоржу предстоял непростой выбор: связать жизнь с изобразительным искусством или стать композитором. Победила любовь к музыке; в 1963 году Апергис переехал в Париж, где освоил конкретную музыку и сериализм, познакомился с идеями своего соотечественника Яниса Ксенакиса. В начале 1970‑х он начал разрабатывать собственную концепцию музыкального языка. В 1976 Апергис создал лабораторию АТЕМ (Ателье музыки и театра) в пригороде Парижа. Здесь он собрал команду из музыкантов и актеров, с которыми много экспериментировал и проводил импровизационные тренинги. В результате длительной лабораторной работы получались пьесы, где соединялись в различных вариантах звуки, жесты и слова.

Непрерывная работа с участниками лаборатории позволила Апергису исследовать возможности человеческой речи, особенности сочетания голоса и исполнительского жеста; понять, что дают музыке фонемы и как движения музыканта влияют на звук инструмента. Эксперименты с голосом и речью привели к отказу от нотной записи: в качестве партитуры композитор начал использовать текст.

ЖОРЖ
АПЕРГИС

Р. 1945, АФИНЫ

Среди сочинений Апергиса — оперы, масштабные музыкально-театральные постановки (такие как «Conversations» и «Enumérations»), инструментальные композиции с визуальными и текстовыми элементами. Сегодня одним из главных жанров для Апергиса остаются сольные пьесы. Именно в них сконцентрированы основные идеи композитора. Большой популярностью пользуются его миниатюры из цикла «Recitation» для голоса соло, которые часто исполняются как актерские этюды.

В последнее время Апергис много работает над инструментальной музыкой без комбинаций с голосом и движением. Он сотрудничает с актерами, танцовщиками, художниками и музыкантами (среди них флейтистка Ева Фуррер и пианист Николас Ходжес). Совместно с центром IRCAM осуществляет музыкальнотеатральные проекты («Machinations», «Luna-park»). Пишет музыку для знаменитых европейских ансамблей, среди которых Klangforum Wien, Musikfabrik, Ensemble Modern, Intercontemporain. Его сочинения уже более 40 лет не сходят с главных европейских сцен и получают крупные награды, такие как приз Венецианской биеннале и премия Эрнста фон Сименса.

Лера Ауэрбах родилась в Челябинске, начала музыкальное образование в родном городе. В 8 лет она впервые выступила с оркестром, в 12 — написала оперу, премьера которой прошла в детском театре закрытого города Челябинск‑65. В 13 выпустила свой первый сборник поэзии. В 1990 году стала лауреатом международной программы «Новые имена» и первого Всероссийского конкурса молодых композиторов имени П. И. Чайковского. В 17 лет переехала в США, где продолжила обучение в Джульярдской школе, окончила также Ганноверскую Высшую школу музыки и театра.

В 2002 году Лера Ауэрбах дебютировала в Карнеги-холле, исполнив собственную Сюиту для скрипки и фортепиано с оркестром с Гидоном Кремером и оркестром «Кремерата Балтика». Как пианистка выступала в Большом зале Московской консерватории, берлинском Зале Пьера Булеза, нью-йоркском Линкольн-центре и на других известных площадках.

ЛЕРА
АУЭРБАХ

Р. 1973, ЧЕЛЯБИНСК

Лера Ауэрбах — один из самых востребованных современных композиторов. Сотрудничала с Нью-Йоркским филармоническим оркестром, Филадельфийским оркестром, Баварским государственным оркестром и другими известными коллективами. Записи ее произведений выпущены фирмами Deutsche Grammophon, ECM, Sony Classical и ARTE, ее сочинения публикуются крупнейшим мировым издательством Boosey & Hawkes и исполняются на ведущих сценах мира. В сотрудничестве со знаменитым хореографом Джоном Ноймайером Ауэрбах создала несколько балетов, среди которых «Татьяна» и «Русалочка».

В сферу творческих интересов Леры Ауэрбах также входят изобразительное искусство и литература. Ее работы представлены в ведущих галереях и частных коллекциях. Опубликованы три сборника ее стихов на русском языке и англоязычная книга «Excess of Being».

Родилась в Кирове. Окончила Московскую консерваторию у Владимира Тарнопольского, стажировалась в Базельской Академии музыки (Швейцария) у Эрика Онья и Якоба Ульмана. Принимала участие в международных мастер-классах и академиях современной музыки, в числе которых — Международные летние курсы новой музыки в Дармштадте (Германия), Impuls (Грац, Австрия), Встречи молодых композиторов (Апелдорн, Нидерланды). Посещала мастер-классы Хельмута Лахенмана, Беата Фуррера, Тристана Мюрая, Винко Глобокара, Луи Андриссена, Жерара Цинсстага и др. Инициатор ряда международных проектов в области современной музыки. Преподает в Московской консерватории. Лауреат всероссийских и международных конкурсов.

Свое творчество Бочихина называет «предельно инструментальным». Мир ее музыки — «инструментованный мир ветров и предметов, мифов и обрядов, пространств и разговоров».

ОЛЬГА
БОЧИХИНА

Р. 1980, КИРОВ

Сочинения Бочихиной исполнялись на международных фестивалях современной музыки, среди которых «Московская осень», «Московский форум», «Другое пространство», «Пифийские игры» (Санкт-Петербург), Всемирные дни новой музыки в Векшё (Швеция, 2009) и Кошице (Словакия, 2013), Венецианская биеннале, YoungEuroClassic (Берлин), FrauMusicaNova (Кёльн), Веймарские весенние дни современной музыки, MancaFestival (Франция), Schein-Polyphonie (Швейцария) и другие. В числе исполнителей ее произведений — Симфонический оркестр Мариинского театра, Госоркестр России имени Е. Ф. Светланова, Симфонический оркестр Москвы «Русская филармония», «Студия новой музыки», Ансамбль ударных инструментов под управлением Марка Пекарского, Лондонская симфониетта, Phoenix Ensemble (Швейцария), Cikada String Quartet (Швеция), Quasars Ensemble (Словения), Ensemble Modern, Türmchen Ensemble (Германия), дирижеры Валерий Гергиев, Владимир Юровский, Игорь Дронов, Сергей Кондрашев, Илан Волков, Юрг Хеннебергер.

Композиции обучался в Музыкальном училище при Московской консерватории в классе Григория Фрида, затем в Московской консерватории имени П. И. Чайковского в классе Владимира Фере, закончив ее в 1969 году. С 1969 по 1974 год работал музыкальным редактором на Всесоюзном радио, с 1974 года — в издательстве «Композитор». Музыкальный язык Вустина развивает идеи двенадцатитоновости. Сочинения Вустина включаются в программы многих известных фестивалей, среди которых «Дни новой музыки в Цюрихе» и Ноlland Festival, Рrеsеnces-93 в Париже и фестиваль в Донауэшингене (Германия), фестиваль камерной музыки в Локенхаусе (Австрия), «Московский Форум» и «Московская Осень».

АЛЕКСАНДР
ВУСТИН

1943 —
2020, МОСКВА

Среди исполнителей его музыки такие известные солисты, как Гидон Кремер, Табеа Циммерман, Иван Соколов, дирижеры Рейнберт де Леу, Лев Маркиз, Эри Клас, Александр Лазарев, Мартин Браббинс, Владимир Юровский; камерные коллективы и оркестры — Ансамбль солистов Большого театра, ансамбль ударных Марка Пекарского, Студия новой музыки, Госоркестр России имени Е. Ф. Светланова (где с 2016 года Вустин был композитором-резидентом), Шёнберг-ансамбль, Филармонический оркестр Радио Нидерландов, «Новая Амстердамская симфониетта», Симфонический оркестр Би-би-си и многие другие.
Среди сочинений — «Слово для духовых и ударных» (1975), «Блаженны нищие духом» (1988), опера «Влюбленный дьявол» (1989, поставлена в 2019‑м в МАМТе), «Письмо Зайцева» (1990), «Героическая колыбельная» (1991), Agnus Dei (1993), кантата «Ветер» на слова из поэмы «Двенадцать» Блока (2012), «Песня Лукерьи» (2015), «Три стихотворения Ольги Седаковой» (2017).

Русский и французский композитор, один из изобретателей четвертитонового фортепиано. На основе философской, эстетической и математической концепции разработал законы микрохроматики. Первый и один из немногих композиторов, чье творчество практически полностью основано на микрохроматической системе, автор «цветной» («световой») ультрахроматической нотации. Среди коллег и почитателей творчества Вышнеградского были Николай Обухов, Оливье Мессиан, Хулиан Каррильо, Клод Баллиф, Пьер Булез.

Вышнеградский происходил из высокообразованной семьи. Его отец и дед были крупными финансистами, а мать — поэтом и переводчиком. Он получил разностороннее образование, обучаясь параллельно на философском факультете Санкт-Петербургского университета и у профессора консерватории, ученика Римского-Корсакова — Николая Соколова. В 1917 году под впечатлением революционных событий Вышнеградский создал сюиту «Красное Евангелие» для баритона и фортепиано на слова Василия Князева. Тогда же, в 1916—1918 гг., написал сочинение, которое считал своим шедевром, — «День Бытия» для симфонического оркестра, чтеца и хора ad lib. Впервые оно было исполнено только спустя 60 лет в Париже — 21 января 1978 года в присутствии композитора, за год до его смерти. Российскую премьеру «Дня Бытия» осуществил Персимфанс (Первый симфонический ансамбль) в 2023 году.

В 1920 году Вышнеградский покинул Россию, как он всегда подчеркивал, с целью создания нового инструмента — четвертитонового фортепиано. Жил и работал в Париже, где в 1923‑м женился на дочери известного художника, одного из лидеров объединения «Мир искусства» Александра Бенуа, Елене.

ИВАН
ВЫШНЕГРАДСКИЙ

1893, ЧИСТОПОЛЬ, КАЗАНСКАЯ ГУБ. —
1979, ПАРИЖ

Их единственный сын Дмитрий впоследствии стал одним из основателей Общества Ивана Вышнеградского в Париже. Многолетние исследования привели композитора к судьбоносной встрече с еще одним протагонистом четвертитоновой музыки Алоизом Хабой: в результате около 1929 года в Чехии на фирме August Förster инструмент был сконструирован.

Кроме сочинений для четвертитонового фортепиано, Вышнеградский создал струнные квартеты, романсы, оркестровые и хоровые сочинения. Однако ввиду отсутствия пианистов, способных освоить технику игры на новом инструменте, Вышнеградский приходит к идее создания произведений для двух и более фортепиано, настроенных с разницей в четверть тона. Это позволило ему осуществлять премьеры своих новых сочинений, а также организовать в феврале 1937 года в парижском Зале Плейель первый фестиваль четвертитоновой музыки. Именно здесь под управлением автора была впервые исполнена его Симфония «Так говорил Заратустра» для четырех фортепиано, настроенных с разницей в четверть тона.

В годы Второй мировой войны композитор приостановил свою деятельность. В 1942 году ввиду наличия у него только российского гражданства был арестован оккупационными властяии. После освобождения, уже в ноябре 1945 года, вновь организовал концерт четвертитоновой музыки в Зале Плейель. В числе исполнителей были его ученики Иветт Гримо, Ивонн Лорио (супруга Мессиана), композиторы Пьер Булез и Серж Нигг. В 1950‑е работал над сочинениями для оркестра и волн Мартено, создал фундаментальный труд «Законы пансонористики». В 1972 году вышел номер журнала La Revue Musicale, полностью посвященный Вышнеградскому и Обухову.

Родился в 1864 году в Москве. Его отец был торговцем и с трудом умел читать, мать была неграмотна. С детства пел в церковном хоре, но фортепиано увидел только в 14 лет. В 1881 году втайне от родителей поступил в Московскую консерваторию. Его учителями стали Василий Сафонов, Антон Аренский и Сергей Танеев. В 1890 году из-за разногласий с Аренским перевелся из Московской консерватории в Петербургскую, где нашел поддержку у Римского-Корсакова. Гречанинов завершил учебу, когда ему было уже около 30; на выпускном экзамене представил кантату «Самсон», а через год был удостоен премии Беляевского конкурса за Струнный квартет № 1. В 1896 году вернулся в Москву, где познакомился со Станиславским и начал писать музыку к спектаклям МХТ.

В Москве Гречанинов преподавал в школе сестер Гнесиных, сочинял произведения для детей: несколько хоровых циклов, фортепианные сборники и три оперы («Елочкин сон», «Теремок», «Кот, петух и лиса»). Участвовал в организации Народной консерватории; изучал и обрабатывал народные песни. В 1903 году в Большом театре состоялась премьера оперы Гречанинова «Добрыня Никитич» с участием Федора Шаляпина и Антонины Неждановой.

АЛЕКСАНДР
ГРЕЧАНИНОВ

1864, МОСКВА —
1956, НЬЮ-ЙОРК

Во время революции 1905 года собирал средства семьям погибших рабочих. Пессимистические настроения после поражения революции ощущаются в его вокальных циклах «Цветы зла», «Мертвые листья» и в опере «Сестра Беатриса» по Метерлинку. В 1917 году после свержения монархии создал «Гимн Свободной России», который был исполнен в Большом театре.
В первые годы советской власти устраивал концерты-лекции для рабочих, руководил хором детской колонии, делал обработки народных песен. В 1925 году уехал во Францию, а потом в США. В Париже создал симфонии №№ 4 и 5, две мессы, три сонаты, детский балет «Лесная идиллия» и другие сочинения.

В творчестве оставался верен традициям русской классики. В эмиграции Гречанинов пытался наладить контакты с Советским Союзом, два сочинения посвятил событиям Великой Отечественной войны: «Элегическую поэму памяти героев» и симфоническую поэму «К победе», ноты которой выслал в СССР. До последних дней мечтал вернуться на родину, но этому не суждено было осуществиться. Почти оглохший и ослепший, в бедности и одиночестве он скончался на чужбине в возрасте 92 лет.

В 1954 году окончила Казанскую консерваторию по классу фортепиано. В 1954—1959 гг. училась в Московской консерватории у Николая Пейко (композиция); совершенствовалась в аспирантуре у Виссариона Шебалина (1960−1963). В музыкальной жизни СССР 1960−1980‑х занимала независимую позицию. В отличие от двух других представителей «московской тройки», Денисова и Шнитке, не преподавала в консерватории и сравнительно мало писала для кино. До начала 1980‑х ее музыка редко звучала в СССР и была почти неизвестна за границей. Мировое признание принес Губайдулиной скрипичный концерт «Offertorium», впервые исполненный Гидоном Кремером в 1981 году в Вене. Ее известность укрепилась после 1985 года, когда она начала выезжать за границу и получать заказы из разных стран. С 1992 года живет в Германии.

В 1960‑х Губайдулина писала в серийной технике (кантата «Ночь в Мемфисе», 1968), обращалась к разнообразным новым методам организации звукового материала.

СОФИЯ
ГУБАЙДУЛИНА

Р. 1931, ЧИСТОПОЛЬ, ТАТАРСКАЯ АССР

В основе большинства ее партитур лежит идея антитезы (что отражено в заглавиях «Шум и тишина», «Светлое и темное», «Сад радости и печали», «Слышу… умолкло…», «Pro et contra», «Чет и нечет», «Две тропы» и т. д.).

Фундаментальное значение для Губайдулиной имеет противопоставление «земного» (развивающегося, материального) и «небесного» (статичного, идеального) начал.
Центральный символ, вокруг которого строится художественный мир Губайдулиной, — распятие, сочетающее вертикаль вечного Божественного смысла и горизонталь реального времени. Образом Креста вдохновлены некоторые из ее лучших опусов, в том числе «In Croce» для виолончели и органа, «Offertorium», «Семь слов» для виолончели, баяна и струнных. В поисках новых средств и форм для передачи религиозно-мистических идей Губайдулина экспериментирует с нетрадиционными приемами игры, необычными сочетаниями инструментов, математическими структурами (числами Фибоначчи и др.), которые наделяет глубоким символическим смыслом.

Родился в Санкт-Петербурге в музыкальной семье. Учился в Царскосельской гимназии и Царскосельском реальном училище императора Николая II. В годы учебы посещал симфонические концерты, занимался теорией музыки и сольфеджио, имел славу музыканта-вундеркинда; среди его друзей были Анна Ахматова, Николай Гумилев, Николай Пунин. После окончания училища поступил в Петербургскую консерваторию на два отделения — фортепианное и композиторское. Среди его учителей были Анатолий Лядов и Александр Гаук. Большое влияние на творчество молодого композитора оказала дружба с Прокофьевым.

С началом Первой мировой войны был призван в армию, Февральскую революцию встретил на фронте. После распада армии работал секретарем в отделе народного образования, преподавал фортепиано и теорию музыки в городском училище в Елисаветграде, затем в Севастополе. Вскоре вернулся в Петроград, где загорелся идеей воплотить на сцене истинно революционные сюжеты. Так появились балет «Красный вихрь» и опера «Лед и сталь», посвященная Кронштадтскому восстанию.

ВЛАДИМИР
ДЕШЕВОВ

1889, САНКТ-ПЕТЕРБУРГ —
1955, ЛЕНИНГРАД

Оба сочинения были поставлены в ГАТОБе (Мариинском театре), но быстро сошли со сцены. Другие сценические сочинения Дешевова того периода не увидели свет рампы, так как были признаны политически ошибочными и несвоевременными.
Дешевов принадлежал к левому крылу ленинградских композиторов, был участником Ассоциации современной музыки (АСМ), однако понятие «музыкальный конструктивизм», к которому он себя относил, в СССР стало ругательным. Укрытием для него, как и для многих, стали кино и театр. В 1926 году написал музыку к производственной мелодраме «Рельсы»; одноименная фортепианная пьеса вошла в репертуар пианистов. В этом же году СССР посетил Дариус Мийо. Прослушав сочинения композиторов АСМ, он выделил именно Дешевова, пригласив его в Париж и обещав устроить концерты. Но эти планы так и не сбылись. В Ленинграде Дешевов также работал заведующим музыкальной частью и дирижером в Красном театре, музыкальным редактором в БДТ. С 1922 по 1933 год в Ленинградском институте сценических искусств вел специальный курс «Музыка в театре».

Паскаль Дюсапен родился 29 мая 1955 года в Нанси. Окончил Сорбонну, где изучал эстетику, скульптуру, другие искусства и науки. Был вольнослушателем в классе Оливье Мессиана в Парижской национальной консерватории. В 1974—1978 гг. посещал семинары Яниса Ксенакиса, впоследствии называвшего Дюсапена любимым учеником: «Я люблю Паскаля Дюсапена за то, что он гордый, любопытный, независимый и обладает организованным мышлением». Позже учился на семинарах Франко Донатони, дважды был удостоен специальной стипендии виллы Медичи в Риме от Французской академии.

Паскаль Дюсапен — обладатель ряда престижных наград, в их числе Vocation Foundation Prize (1977), Prix Hervé Dujardin от французского общества авторов, композиторов и музыкальных издателей Sacem (1979), премия Ассоциации критиков (1993), Prix Symphonique от Sacem (1994), Grand Prix National de Musique от Министерства культуры Франции (1995), Victoire de la Musique (1998); опус «Watt» для тромбона и симфонического оркестра был отмечен Международной кафедрой композиторов ЮНЕСКО (1998). В 1993—1994 гг. Дюсапен был композитором-резидентом Национального оркестра Лиона.

Сочинения Дюсапена публикует издательство Éditions Salabert.

ПАСКАЛЬ
ДЮСАПЕН

Р. 1955, НАНСИ, ФРАНЦИЯ

Среди наиболее значительных произведений — оперы «Ромео и Джульетта» (1985−1989), «Medeamaterial» (1991), «Perelà», «Uomo di fumo» (2001), «Фауст, последняя ночь» (2004), «Страсть» (2008), «Пентесилея» (2014), «Макбет в преисподней» (2019), оператория «Меланхолия» (1991, на тексты Галена, Плотина, Шекспира, Гомера, Гесиода и др.), «Кода» для малого оркестра (1992), семь «соло» для оркестра («Go», «Extenso», «Apex», «Clam», «Exeo», «Reverso», «Uncut», 1991−2009), семь струнных квартетов, пьесы для различных инструментов соло, «Musique captive» для девяти духовых (1980), струнное трио (1980), «Fist» для нонета (1982), Stanze для духового квинтета (1991), «Loop» для восьми виолончелей (1995), Trio Rombach для кларнета (скрипки), виолончели и фортепиано (1997), Cascando для 11 духовых (1997) и др., а также хоровая, вокальная, фортепианная музыка.

Произведения Паскаля Дюсапена записывают и исполняют такие известные музыканты и коллективы, как Collegium Vocale Gent и Филипп Херревеге, Оркестр де Пари и Кристоф Эшенбах, Австрийский ансамбль новой музыки и Лоранс Экильбе, Берлинская академия старинной музыки и Франк Оллу, Klangforum Wien и Сильвен Камбрелен, Ардитти-квартет, Эммануэль Кривин, Эмилио Помарико, Ensemble Ars Nova, Ensemble intercontemporain, Accroche Note, 2e2m, Национальный оркестр Франции, Филармонический оркестр Радио Франс и др. Музыка Дюсапена звучит на международных фестивалях в Страсбурге, Венеции, Брюсселе, Экс-ан-Провансе и др. В 2019 году Зальцбургский фестиваль посвятил композитору спецпроект «Время с Дюсапеном», в рамках которого прозвучал ряд его сочинений.

Один из лидеров послевоенного музыкального авангарда, чья симфоническая, камерная и духовная музыка стала частью советского неофициального искусства. Окончил Центральную музыкальную школу и Московскую государственную консерваторию имени П. И. Чайковского по классу композиции у Виссариона Шебалина. Неофициально брал уроки у Филиппа Гершковича.

Судьба Каретникова — одна из самых драматичных в истории Второго авангарда. Уже к тридцати годам композитор получил широкую известность в стране благодаря первым симфониям, оратории «Юлиус Фучик» и балетам «Геологи» и «Ванина Ванини», поставленным в Большом театре в начале 1960‑х. Однако в 1957 году в жизни Каретникова произошли два поворотных события: он пришел к православию, а в музыке открыл для себя творчество композиторов нововенской школы и принципы додекафонии (практически одновременно с Андреем Волконским). Услышав их музыку, Каретников писал: «Новую Венскую школу я должен был услышать хотя бы в 18 лет, а не в 27. У моего поколения украли 8−9 лет жизни, важнейших в развитии человека, и эти потери никому и никогда не возместить». С середины 1960‑х он стал прихожанином о. Александра Меня.

Испытав духовное перерождение и переосмыслив эстетические взгляды, Каретников исключил из своего портфеля почти все произведения, написанные до 1961 года, и сознательно отказался от статуса признанного и исполняемого советского композитора. Независимая эстетическая, общественная и нравственная позиция Каретникова привела к его длительной изоляции от ведущих течений музыкальной жизни СССР. Это вместе с негласным запретом на исполнение привело к тому, что его творчество до сих пор практически не изучено.

НИКОЛАЙ
КАРЕТНИКОВ

1930 —
1994, МОСКВА

Убежденный приверженец «классической» серийной додекафонии шёнберговского типа, на основе которой он выработал собственный стиль, и вместе с тем самобытный продолжатель традиций православной духовной музыки, Каретников не отказывался от тональности и других техник там, где они были оправданы замыслом, — и соединял додекафонию с иными формами музыкального письма. Ему удалось перешагнуть через экспериментальность языка нововенцев, органично сочетая принцип серийности с симфонической традицией российской композиторской школы.

Инструментальные сочинения, оперы и духовные песнопения Каретников писал практически в стол, а его имя ассоциировалось в первую очередь с многочисленными прикладными работами — для театра и в особенности для кино. Среди широко известных — «Скверный анекдот» (1965), «Бег» (1970) режиссеров А. Алова и В. Наумова, «Прощай, шпана замоскворецкая…» А. Панкратова (1987), «Десять дней, которые потрясли мир» Ю. Любимова (1965, Театр на Таганке), «Заговор Фиеско в Генуе» Л. Хейфеца (1977, Малый театр), «Тевье-молочник» С. Евлахишвили (1985, Центральное ТВ) и многие другие. Среди наиболее крупных сочинений Каретникова — оперы «Тиль Уленшпигель» (1965−1985) и «Мистерия апостола Павла» (1970−1987). В первой из них парадоксально сочетаются разнообразные стилевые идиомы. Вторая опера стилистически более однородна; по типу замысла и характеру музыки она родственна опере А. Шёнберга «Моисей и Арон». Каретников также является автором трех балетов, четырех симфоний, двух камерных симфоний, двух циклов духовных песнопений, камерной и фортепианной музыки.
Автор книги воспоминаний «Темы с вариациями» (1990), переизданной к юбилею в 2020 году Издательством Ивана Лимбаха (Санкт-Петербург).

Имя Артура Лурье — русского композитора и музыкального писателя — после его ухода из жизни почти забытое, на протяжении последних десятилетий привлекает к себе все больше внимания. Упоминания о Лурье встречаются в публикациях, посвященных Анне Ахматовой, Велимиру Хлебникову, Михаилу Кузмину, Александру Блоку, Владимиру Маяковскому, Бенедикту Лившицу, Игорю Стравинскому, Сергею Прокофьеву, Сергею Кусевицкому, Жаку Маритену, Эдгару Варезу. Напоминанием о Лурье служат и его многочисленные портреты, написанные Юрием Анненковым, Львом Бруни, Петром Митуричем, Савелием Сориным, Николаем Тырсой, Георгием Якуловым.

Знаковая фигура Петербурга Серебряного века, Лурье не был лишь спутником, «тенью» великих. Утонченное ощущение музыкальной материи, парадоксальность и свобода, интерес к европейской культуре нескольких тысячелетий (от Древней Греции и Рима до импрессионизма, авангарда и джаза) придают его творчеству удивительное разнообразие. Он одним из первых экспериментировал с микрохроматизмом, неоклассицизмом, атональностью, в характерных для его музыки вариантных повторах предвосхищался минимализм, и все это — в хронологической «вертикали», одновременно.

АРТУР
ЛУРЬЕ

1892, ПРОПОЙСК, МОГИЛЕВСКАЯ ГУБ. —
1966, ПРИНСТОН, НЬЮ-ДЖЕРСИ

То, что современникам композитора казалось дилетантизмом и эклектикой, столетие спустя вызывает особенный интерес.

Музыкальное наследие Лурье обширно: две симфонии (1930, 1939), оперы «Пир во время чумы» (1931) и «Арап Петра Великого» (1961), Sonate Liturgique (1928) для фортепиано, хора и ансамбля, Concerto spirituale (1929) для фортепиано, хора и оркестра, Concerto da camera (1947) для скрипки и струнного оркестра, хоровые сочинения от кантаты на слова Блока «В кумирню золотого сна» (1919) до мотетов «De Ordinatio Angelorum» (1942) и «Anathema» (1951) на литургические латинские тексты, струнные квартеты, камерные вокальные сочинения и другие. Некоторые из них имели мировой успех: Первую («Диалектическую») симфонию исполняли оркестры под управлением Леопольда Стоковского, Вильгельма Фуртвенглера, Сергея Кусевицкого, Шарля Мюнша.

Судьба наследия Артура Лурье самому ему казалась трагической: «моя „слава“ лежит в канаве», — писал он Анне Ахматовой в 1960‑м. Причиной тому был прежде всего сам ход истории: политика, войны, заставившие композитора эмигрировать, — сначала во Францию, а затем в США. Бóльшая часть его наследия до сих пор не опубликована, а мир находится лишь на пороге его открытия.

Сергей Ляпунов родился в 1859 году в Ярославле. Его отец был ученым-астрономом, старший брат — математиком, младший — филологом-славистом. После смерти отца Сергей с братьями и матерью переехал в Нижний Новгород, где начал занятия в музыкальных классах при Нижегородском отделении Императорского русского музыкального общества (ИРМО). С 1878-го обучался в Московской консерватории по специальностям «Фортепиано» и «Теория композиции», где среди его наставников были Чайковский и Танеев. В 1883 году познакомился с Балакиревым, стал его другом и учеником; влияние Балакирева прослеживается в симфоническом письме композитора, в фактуре его фортепианных произведений, продолжающих линию русского виртуозного пианизма.

С 1888 года Ляпунов преподавал в Николаевском кадетском корпусе, а с 1893-го работал в Русском географическом обществе — ездил в фольклорные экспедиции, записывал народные песни и наигрыши. В 1894—1902 годах работал в Императорской Придворной певческой капелле помощником управляющего, затем заведующим. С 1908 года занимал должность директора Бесплатной музыкальной школы.

СЕРГЕЙ
ЛЯПУНОВ

1859, ЯРОСЛАВЛЬ —
1924, ПАРИЖ

Ляпунов многое сделал для увековечения памяти Балакирева, унаследовав его авторские права, рукописи, письма и документы. Опубликовал переписку Балакирева, закончил ряд его произведений, сделал фортепианные переложения нескольких его оркестровых сочинений.

С 1907 выступал как пианист и дирижер. В 1910 году записал несколько своих фортепианных пьес на аппарате Вельте-Миньон. С 1910 по 1923 год занимал пост профессора Петербургской (Петроградской) консерватории. В 1923‑м уехал во Францию, где руководил музыкальной школой для русских эмигрантов, а также выступал в качестве дирижера. Умер в Париже от инфаркта. В наследии Ляпунова основное место занимают оркестровые сочинения (две симфонии, симфонические поэмы) и произведения с участием фортепиано: два концерта и Рапсодия на украинские темы для фортепиано с оркестром; множество пьес разных жанров (прелюдии, вальсы, мазурки, вариации, этюды и др.), ряд романсов и духовных хоров.

Родился в Нижнем Новгороде, с детства пел в церковном хоре. С 1876 года обучался в Московской консерватории по классу скрипки, за год до окончания курса прошел отбор в создаваемый по указу императора Придворный музыкантский хор (оркестр). С 1881 года жил в Санкт-Петербурге, где служил концертмейстером оркестра, параллельно обучаясь живописи: сначала в Рисовальной школе Общества поощрения художеств, затем — в студии Яна Ционглинского. На занятиях познакомился с поэтессой и художницей Еленой Гуро, на которой спустя несколько лет женился. Вместе они в 1909 году создали объединение авангардистов «Союз молодежи» и издательство «Журавль», где публиковали книги футуристов — Алексея Кручёных, Велимира Хлебникова, Владимира Маяковского и самой Гуро. В ее сборники «Шарманка» и «Осенний сон» вошли также ноты сочинений Матюшина, после 40 начавшего композиторскую деятельность.

В 1913 году Матюшин ушел из оркестра, тогда же не стало Елены Гуро. Летом 1913‑го Матюшин вместе с Казимиром Малевичем, Кручёных и Хлебниковым начал работу над оперой «Победа над Солнцем». Параллельно с сочинением музыки Матюшин занимался живописью, разрабатывая собственный подход к абстракции. К этому периоду относятся полотна «Движение в пространстве» (Русский музей) и «Геометризация пространства (Кристалл)» (Третьяковская галерея).

МИХАИЛ
МАТЮШИН

1861, НИЖНИЙ НОВГОРОД —
1934, ЛЕНИНГРАД

Тогда же художник создавал «корневые скульптуры», демонстрируя корни деревьев в качестве арт-объектов и призывая увидеть в них внутреннее движение. Свои взгляды на искусство Матюшин излагал в программных статьях о кубизме и «четвертом измерении». Он опирался на теософские гипотезы о существовании невидимого глазу времени-пространства и вслед за Петром Успенским утверждал, что «художник должен быть ясновидящим».

После революции началась активная педагогическая деятельность Матюшина. Музыкальные дисциплины он преподавал в районных школах, стремясь дать образование детям из бедных семей, изобразительным искусством занимался со студентами Академии художеств (переименованной в Государственные свободные художественно-учебные мастерские). В 1923 году возглавил отдел органической культуры в Государственном институте художественной культуры (ГИНХУК), где разрабатывал новаторскую теорию цвета и исследовал явление синестезии. В 1920—1923 гг. Матюшин вместе с учениками поставил ряд экспериментальных музыкально-театральных спектаклей, где выступал одновременно композитором, режиссером, художником и исполнителем. В 1932‑м опубликовал «Справочник по цвету» — первое в СССР практическое руководство по сочетанию цветов. Последние два года жизни посвятил работе над мемуарами.

Композитор-новатор, один из ярких представителей культуры русского зарубежья, принадлежащий вместе с Иваном Вышнеградским к постскрябинскому направлению в музыке. Создатель новой «упрощающей» нотации, гармонической системы под названием «Тональная, атональная и тотальная гармония». Двоюродный брат солистки Большого театра, певицы Надежды Андреевны Обуховой. Среди сподвижников и почитателей его творчества были Иван Вышнеградский, Петр Сувчинский, Борис Шлёцер, Оливье Мессиан, Раймон Пети, Клод Баллиф.

Обухов родился в селе Ольшанка Старосельского уезда Курской губернии в дворянской семье. Его бабушка по отцовской линии Елизавета Ильинична была внучкой поэта Евгения Баратынского, дядя Сергей Трофимович Обухов служил управляющим Московской конторой Императорских театров. Будущий композитор с детства играл на скрипке и фортепиано, посещал оперу, с ранних лет узнав творчество Вагнера, Мусоргского, Римского-Корсакова и Скрябина. В 1911 году поступил в Московскую консерваторию, с 1913‑го продолжил учебу в Санкт-Петербургской консерватории у Николая Черепнина и Максимилиана Штейнберга.

К 1915 году относится изобретение Обуховым «упрощающей» нотации, которой позже пользовались не только он сам, но также Оливье Мессиан, Артюр Онеггер, Андре Жоливе. Тогда же им была сформулирована идея новой гармонии, которая во многих аспектах предвосхитила додекафонию Арнольда Шёнберга.

НИКОЛАЙ
ОБУХОВ

1892, С. ОЛЬШАНКА, КУРСКАЯ ГУБ. —
1954, СЕН-КЛУ ПОД ПАРИЖЕМ

Первый концерт, где звучали сочинения Обухова, состоялся в 1916 году в Малом зале Петербургской консерватории под эгидой журнала «Музыкальный современник». В 1917 году разработал концепции новейших электроакустических инструментов — кристалла, волн и эфира. Впоследствии, в начале 1930‑х, им при содействии французских инженеров был сконструирован еще один такого рода инструмент — звучащий крест (croix sonore). Большая часть сочинений Обухова написана для ансамблей с звучащим крестом.

В 1919 году Обухов эмигрировал во Францию, где вскоре познакомился с Морисом Равелем, которого называл своим учителем. Благодаря Равелю имя Обухова стало известно музыкальной общественности. К концу 1920‑х относится не менее судьбоносная его встреча с известной пианисткой Марией-Антуанеттой Оссенак де Брольи, в дальнейшем ставшей исполнительницей сочинений Обухова на звучащем кресте и пропагандисткой его творчества. Главное сочинение Обухова — многочасовая партитура «Книга Жизни» (1918−1926), записанная им в собственной нотации. Обухов является также автором эссе «Эмоции в музыке» (1927) и «Трактата тональной, атональной и тотальной гармонии» (1947).
В 2000‑е годы сочинения Обухова звучат все чаще. Среди исполнителей его музыки — пианистки Нино Баркалая и Дженни Лин, фортепианный дуэт Изабель и Флоранс Лафитт, пианисты Джей Готлиб, Роджер Вудворд, Михаил Дубов, Александр Райхельсон, Лидия Кавина (терменвокс), дирижеры Фёдор Леднёв, Рейнберт де Леу, Паскаль Рофе и другие.

Георг Пелецис — один из самых авторитетных композиторов и музыковедов Латвии. В 1970 году окончил Московскую консерваторию имени П. И. Чайковского по классу композиции Арама Хачатуряна. Там же он познакомился и начал близко общаться с Владимиром Мартыновым и проникся идеями «новой простоты», стилизации и репетитивности. Стажировался как музыковед в Оксфорде (1995) и Кембридже (1997). С 1990 года — профессор Латвийской консерватории. Преподает теорию и историю контрапункта и фуги. Георг Пелецис стал первым президентом Рижского центра старинной музыки.

Как музыковед Пелецис является автором двух диссертаций, о Йоханнесе Окегеме и Палестрине.

ГЕОРГ
ПЕЛЕЦИС

Р. 1947, РИГА

Его работа «Исследование стиля Палестрины» отмечена Международным центром Палестрины в Риме (1993). Глубоко изучал и написал множество статей о проблемах формы в музыке эпох Средневековья, Ренессанса, барокко, а также в творчестве многих композиторов стран Балтии.

Как композитор Георг Пелецис регулярно выступает и принимает участие в различных музыкальных фестивалях. Среди сочинений — Concertino bianco для фортепиано и камерного оркестра (1983), струнный квартет Lamento (1986), Marcia funebre для фортепиано (1998), Missa Brevis для женского хора и фортепиано (2003), Латвийский реквием (2006).

В 1963 году окончил Таллинскую консерваторию по классу композиции Хейно Эллера. В 1957—1967 работал звукорежиссером Эстонского радио. В 1968‑м обратился к серийной технике («Perpetuum mobile») и технике коллажа (Симфония № 2, 1966; «Pro et contra» для виолончели с оркестром, 1966, и др.). С начала 1970‑х активно изучал григорианское пение и средневековую полифонию, что определило направленность его творческой эволюции. Третья симфония (1971) ознаменовала сдвиг в сторону диатоники, модальности и благозвучия. В середине 1970‑х Пярт пришел к новому стилю, основанному на простейших звуковых элементах — трезвучии и движении по тонам диатонического звукоряда; Пярт назвал его tintinnabuli (лат. «колокольчики») и охарактеризовал как «бегство в добровольную бедность». Первые же произведения, созданные в этом стиле, — «Arbos», «Fratres», «Summа», «Tabula rasa», «Cantus» памяти Бриттена — принесли ему мировую известность и с тех пор широко исполняются, в том числе в позднейших авторских редакциях.

АРВО
ПЯРТ

Р. 1935, ПАЙДЕ, ЭСТОНИЯ

В 1980 году Пярт эмигрировал из СССР и обосновался в Вене, где подписал договор с крупным нотным издательством Universal Edition, в 1981‑м переехал в Берлин. С 2010 года постоянно живет в Эстонии. В 2018 году в деревне Лауласмаа открылся Центр Арво Пярта.

Стиль tintinnabuli был развит им в сочинениях последующих лет, проникнутых смиренным и возвышенным религиозным духом; среди самых значительных — «De profundis» для мужского хора и органа (1980), «Passio Domini nostri Jesu Christi secundum Joannem» («Страсти по Иоанну», 1982), «Stabat mater» (1985), «Те Deum» (1985), 7 антифонов к «Магнификату» (на немецкие тексты, 1988), «Магнификат» (1989), «Богородице Дево» для хора a cappella (1990), Берлинская месса (1990−1991), Канон покаянен для хора a cappella (1998).

Родилась в Хельсинки, профессиональное образование начала как художник в Академии изящных искусств. В 1976 году оставила занятия живописью и решила посвятить себя музыке. Саариахо поступила в Академию Сибелиуса, где обучалась композиции под руководством Пааво Хейнинена. Во время обучения основала коллектив Korvat Auki («Открыв уши»), целью которого стало продвижение современной музыки. Среди ее соратников были ученики Хейнинена — композиторы Магнус Линдберг и Эса-Пекка Салонен, известный также как дирижер. В 1980 году Саариахо окончила Академию; продолжила обучение во Фрайбурге у Брайана Фернихоу и на Международных летних курсах в Дармштадте, где познакомилась с творчеством французских спектралистов Жерара Гризе и Тристана Мюрая.

В 1982 году Саариахо переехала в Париж, где работала в центре IRCAM, открывая для себя возможности современных технологий, в том числе живой электроники. С ее участием в 1980‑е Саариахо создала несколько сочинений, которые вывели ее на международную арену: «Lichtbogen», «Io», «Nymphea», «Stilleben».

КАЙЯ
СААРИАХО

1952, ХЕЛЬСИНКИ —
2023, ПАРИЖ

Взлет ее карьеры произошел также благодаря контактам с известными коллективами и исполнителями — Кронос-квартетом, скрипачом Гидоном Кремером, певицей Дон Апшоу, дирижерами Кристофом Эшенбахом, Сакари Орамо, Ханну Линту и другими. Многие сочинения Саариахо создавала в расчете на возможности конкретного музыканта, пытаясь понять его личность и образ мышления, и вместе с тем оставляла много места для воображения исполнителя.

С конца 1990‑х Саариахо стала работать в крупных театральных и вокально-симфонических жанрах. Жемчужиной ее творчества стала опера «Любовь издалека», написанная в 2000 году для Зальцбургского фестиваля (дирижер — Кент Нагано, режиссер — Питер Селларс). С тех пор она многократно исполнялась в различных театрах Европы и США, в том числе в Метрополитен-опера в постановке Робера Лепажа. В 2011 году ее запись получила премию «Грэмми». В 2021 году «Любовь издалека» поставлена в театре Урал Опера в Екатеринбурге (семь номинаций на премию «Золотая маска»).

С 1951 года учился в Московской консерватории (отчислен после второго курса «за модернизм», восстановлен в 1953‑м) в классе профессора Юрия Шапорина и профессора Е. Месснер. С 1958 по 1992 год преподавал в Московской консерватории на кафедре композиции (с 1958‑го был ассистентом Шапорина и Арама Хачатуряна; с 1961‑го вел свой класс композиции). Определял себя как наследника русской линии творчества Стравинского. Сочинения в основном ярко программны, симфоническое мышление тяготеет к театральности. Плодотворно работал в жанре вокальной симфонии.

Автор музыки к нескольким театральным спектаклям, радио- и телепостановкам, более чем к 35 кинокартинам, в их числе «Застава Ильича» Марлена Хуциева (1965), «Три толстяка» Алексея Баталова (1966), «Нос» Ролана Быкова (1977).

В сочинениях композитора преобладает полистилистика, где соединились традиции русской духовной музыки, наследие русской и зарубежной классики, элементы джаза, рока, а также иные стилевые направления, в том числе символизм, импрессионизм, футуризм, сюрреализм и постмодернизм.

НИКОЛАЙ СИДЕЛЬНИКОВ

1930, КАЛИНИН —
1992, МОСКВА

Будучи сам талантливым графиком, особый интерес Сидельников проявлял к живописи. Живописные параллели прослеживаются в идеях, названиях и композиционном построении его музыкальных опусов: «Романтическая симфония-дивертисмент в четырех портретах»; соната для скрипки и фортепиано «Славянский триптих», «Лабиринты» — роман-симфония в пяти фресках для фортепиано и др. Среди сочинений: «Поднявший меч», оратория на тексты русских летописей (1957); «Мятежный мир поэта», симфония для баритона и ансамбля на стихи Лермонтова (1971); «Дуэли» (1974), концертная симфония (1974); «Романсеро о любви и смерти», вокальный цикл лирических поэм на стихи Гарсиа Лорки в 11 частях для хора с эпизодическим участием фортепиано, гитары, бас-гитары и ударных (1977); «Сычуаньские элегии» на стихи Ду Фу для хора и ансамбля (1980); «Чертогон», оперная дилогия по Лескову (1981); «Бег», опера по пьесе Булгакова (1984, поставлена в 2010‑м в Камерном музыкальном театре имени Бориса Покровского), Литургия святого Иоанна Златоуста (Литургический концерт) для хора (в двух ораториях, 1988).

Родился в Москве. Уже в четыре года он импровизировал на фортепиано, с пяти подбирал по слуху, а в семь написал свою первую оперу. Профессионально заниматься музыкой Скрябин начал в 1882 году с Георгием Конюсом, в тот же год по семейной традиции поступил в Московский кадетский корпус.
В период обучения в корпусе осваивал фортепианное мастерство под руководством Николая Зверева, занимался теорией музыки с Сергеем Танеевым. В 1888 году поступил в Московскую консерваторию в классы Василия Сафонова (фортепиано) и Антона Аренского (композиция). Аренский не принимал экспериментов ученика, в итоге Скрябин окончил консерваторию только как пианист. Впоследствии совмещал композиторскую и исполнительскую деятельность.
Благодаря меценату Митрофану Беляеву сочинения Скрябина стали публиковаться и исполняться. В 1898 году Скрябин начал преподавать фортепиано в Московской консерватории, через пять лет оставил педагогическую деятельность.

В 1900‑м завершил Симфонию № 1 — масштабное шестичастное сочинение с хором и солистами, призывающими «воспеть славу искусству» и его «волшебному дару». Реакция современников была неоднозначной, так, Беляев упрекал автора в нескромности, хотя до конца своих дней остался благосклонен к Скрябину. После смерти Беляева поддержку композитору оказывала меценатка Маргарита Морозова. В 1904 году он получил от нее средства на организацию концертов и на шесть лет уехал в Швейцарию.

АЛЕКСАНДР
СКРЯБИН

1872 —
1915, МОСКВА

За границей Скрябин изучал труды русских и немецких философов, буддийские трактаты и восточные мистические учения. Завершил Симфонию № 3 («Божественная поэма»), где впервые воплотил центральную идею своего зрелого творчества — обожествления человеческого духа и создания им нового мира. Последующее творчество Скрябина стало смысловым продолжением «Божественной поэмы». «Прометей» стал последним завершенным произведением Скрябина. Стремясь передать ощущение нового рождения мира, композитор задействовал внушительный исполнительский состав: оркестр, орган, фортепиано, хор и свет, партия которого обозначена отдельной строкой.

В начале 1900‑х у Скрябина возникла идея «Мистерии» — грандиозного проекта, объединяющего все виды искусств. Композитор хотел создать особое действо, в котором бы приняли участие все люди мира, без разделения на исполнителей и зрителей. Представить «Мистерию» он планировал в Индии в специально построенном храме на берегу озера, обряд должен был стать праздником освобождения человечества и отметить начало новой эры. Осуществить замысел «Мистерии» Скрябин так и не смог. Он приступил лишь к началу — «Предварительному действу», от которого осталось около пятидесяти страниц эскизов. В 1915 году умер от заражения крови.

Родился в 1932 году в Ленинграде. Его дядя Николай Леонидович был авторитетным музыковедом, дирижером, мемуаристом, отец Михаил Леонидович — писателем, участником содружества «Серапионовы братья». Друзьями семьи были Корней Чуковский и Михаил Зощенко. Музыкальные способности Сергея проявились рано: первые пьесы он написал еще до поступления в музыкальную школу. Во время войны семья перебралась в Пермь. «Когда мне было десять лет, я жил в деревне Черной Пермской области, и там не было никаких инструментов, — рассказывал Слонимский. — Я на столе вспоминал свои фортепианные пьесы, записывал, и потом эти сочинения мой отец показал Шостаковичу, а тот пошел к директору консерватории Шебалину и сказал: „Вот пусть он учится“. Так что я ему многим обязан».

В 1943—1945 годах Слонимский обучался в московской Центральной музыкальной школе, после войны окончил ленинградскую школу-десятилетку.

СЕРГЕЙ
СЛОНИМСКИЙ

1932, ЛЕНИНГРАД —
2020, САНКТ-ПЕТЕРБУРГ

В 1950−1955 годах обучался в Ленинградской консерватории в классах композиции у Ореста Евлахова и фортепиано у Владимира Нильсена, окончил аспирантуру как музыковед. С 1959 года Слонимский преподавал музыкально-теоретические дисциплины в Петербургской консерватории, с 1967 года — композицию: в числе его учеников — Владимир Кобекин, Александр Радвилович, Мехди Хоссейни и другие. Среди работ Слонимского — монография «Симфонии Прокофьева», статьи о Шумане, Мусоргском, Римском-Корсакове, Балакиреве, Малере, Стравинском, Шостаковиче. Разработал собственный курс «Мелодика» (учебное пособие издано в 2018 году).

Слонимский многое сделал для продвижения творчества малоизвестных и незаслуженно забытых композиторов, очерки о них вошли в его книгу «Заметки о композиторских школах Петербурга XX века». Автор 34 симфоний, 9 опер, 3 балетов, камерной и вокальной музыки, музыки к кинофильмам и театральным постановкам.

Родился в 1948 году в Минске в семье оперных певцов. В 1967 году окончил музыкальное училище в г. Фрунзе (ныне Бишкек). Затем поступил в Московскую консерваторию, где осваивал композицию и анализ под руководством Николая Сидельникова и Юрия Холопова. Тогда же произошли две главные встречи в его жизни — с будущей супругой, композитором Еленой Фирсовой, и с Эдисоном Денисовым — его учителем оркестровки. В 1979 году все трое попадут в так называемый «черный список» Тихона Хренникова, оглашенный им на VI съезде Союза композиторов: поводом для критики послужило включение музыки композиторов в программы музыкальных фестивалей в Кёльне и Венеции.

Несмотря на бойкот в СССР, музыка Смирнова исполнялась за рубежом. В 1989 году прошли постановки его опер на сюжеты Уильяма Блейка — «Тириэль» во Фрайбурге и «Тэль» в Лондоне. В том же году его Первая симфония «Времена года» прозвучала на Тэнглвудском фестивале в США. Музыка Смирнова звучала под управлением дирижеров Риккардо Мути, Геннадия Рождественского, Василия Синайского, Петера Этвёша и др.

ДМИТРИЙ
СМИРНОВ

1948, МИНСК —
2020, УОТФОРД, ХАРТФОРДШИР

Его сочинения публиковали крупнейшие издательства — Boosey & Hawkes и Sikorski.
В 1990 году Смирнов стал одним из основателей новой Ассоциации современной музыки (АСМ‑2), по инициативе которой в Москву приезжали на авторские концерты Пьер Булез, Карлхайнц Штокхаузен, Янис Ксенакис, Анри Пуссёр. В 1991 году Смирнов с женой эмигрировали в Великобританию. Там он получил резиденцию в Кембридже, а затем в графстве Девоншир. Был профессором Килского университета, преподавал композицию и русскую музыку в Голдсмитском колледже. Помимо музыки, Смирнов писал стихи и прозу под псевдонимом Дмитрий Смирнов-Садовский, переводил произведения Эдварда Лира, Джеймса Джойса, Басё и других. Его главным увлечением было творчество Блейка: Смирнов перевел многие сочинения поэта, а также написал его биографию на русском языке. Смирнов писал и о музыке, в том числе об окружавших его композиторах — Денисове, Шнитке, Губайдулиной — и об авторах, повлиявших на его искусство, таких как Веберн, Булез, Лигети, Фернихоу, Стравинский, Шостакович.

Один из крупнейших композиторов ХХ столетия, основополагающая фигура мировой музыки последних 110 лет. Родился в 1882 году в Ораниенбауме в семье солиста Мариинского театра. В доме Стравинских частыми гостями были Владимир Стасов, Николай Римский-Корсаков, Эдуард Направник. Игорь с детства бывал за кулисами театра, а первыми спектаклями, которые он увидел, стали опера «Жизнь за царя» Глинки и балет «Спящая красавица» Чайковского. В 1900 году по настоянию отца поступил на юридический факультет Петербургского университета, где познакомился с сыном Римского-Корсакова Андреем и через два года начал брать частные уроки у композитора.

После смерти отца Стравинский оставил учебу в университете, посвятив себя композиции. Под руководством Римского-Корсакова он создал Симфонию ор. 1, оркестровые пьесы «Фейерверк» и «Фантастическое скерцо». В это же время познакомился с художниками объединения «Мир искусства» и стал бывать на «Вечерах современной музыки». Поворотом в творческой судьбе Стравинского стало знакомство с Сергеем Дягилевым — организатором парижских «Русских сезонов». Услышав на концерте «Фейерверк», он предложил начинающему композитору написать балет «Жар-птица». Созданный за несколько месяцев спектакль открыл так называемый «русский период» творчества Стравинского и сделал его мировой знаменитостью. Через год композитор напишет для Дягилева «Петрушку», а еще через два года — «Весну священную», о скандальной премьере которой до сих пор ходят легенды.
С 1910 года Стравинский живет попеременно в Париже, Швейцарии, России, а в 1914‑м покидает родину навсегда.

ИГОРЬ
СТРАВИНСКИЙ

1882, ОРАНИЕНБАУМ —
1971, НЬЮ-ЙОРК

Эксперименты «русского периода» становятся все смелее. Появляются «Байка про Лису, Петуха, Кота да Барана», «Сказка о солдате», позже — «Свадебка», ряд вокальных и хоровых сочинений. В 1920 году композитор переезжает из Швейцарии во Францию, а в 1939‑м — в США (по приглашению Гарвардского университета). Период его творчества, продлившийся до начала 1950‑х, получил название «неоклассического». Композитор обращается к различным стилевым моделям, парадоксально сочетая элементы нового музыкального языка с приемами музыки барокко и классицизма. Импульс этому увлечению дал Дягилев, предложивший написать балет «Пульчинелла» на темы Перголези и его современников. Затем последовали неоклассические балеты «Аполлон Мусагет», «Поцелуй феи», «Орфей». Стилистически им близки Октет для духовых инструментов, Симфония in C, опера-оратория «Царь Эдип» и Симфония псалмов.

Поздний период творчества композитора характеризуется преобладанием религиозной тематики, усилением роли вокального начала, свободным использованием додекафонной техники, органично вписавшейся в характерную для Стравинского систему тонального мышления. Среди вершин этого этапа — балет «Агон», «Заупокойные песнопения» и «Движения» для фортепиано с оркестром. В 1962 году Стравинский на три недели приезжал в СССР и дирижировал концертами в Москве и Ленинграде. После возвращения в США к сочинению музыки возвращался все реже, хотя продолжал дирижерскую деятельность до 1967 года.

Владимир Тарнопольский родился в Днепропетровске. Изучал композицию в Московской консерватории у Эдисона Денисова и Николая Сидельникова. Его выпускное сочинение — Концерт для виолончели с оркестром (1980) — было включено Геннадием Рождественским в абонементный цикл «Из истории русской музыки». С тех пор сочинения Тарнопольского регулярно звучат в России и за рубежом; среди их исполнителей — Кент Нагано, Мстислав Ростропович, Валерий Гергиев, Владимир Юровский, Инго Метцмахер, Сильвен Камбрелен, Рейнберт де Леу, Александр Лазарев, Наталия Гутман, Юрий Башмет и другие.

Владимиру Тарнопольскому заказывали сочинения ведущие мировые коллективы, среди которых Симфонический оркестр Баварского радио, Симфонический оркестр Мариинского театра, Мюнхенский и Роттердамский филармонические оркестры, Ансамбль солистов Большого театра, Ensemble Intercontemporain, Ensemble Modern, Ensemble Musikfabrik, Asko|Schönberg Ensemble, Klangforum Wien и др. Премьеры его произведений проходили в Мариинском театре, Московском академическом музыкальном театре имени К. С. Станиславского и В. И. Немировича-Данченко, мюнхенском Prinzregententheater, лондонском Барбикан-холле, Камерном музыкальном театре под руководством Бориса Покровского, на фестивалях в Бонне, Эвиане, Амстердаме, Бергене, Баку, Манчестере и др.

ВЛАДИМИР
ТАРНОПОЛЬСКИЙ

Р. 1955, ДНЕПРОПЕТРОВСК

Владимир Тарнопольский — один из инициаторов возрождения Ассоциации современной музыки в Москве (1990). В 1993 году основал в Московской консерватории первый в России Центр современной музыки и ансамбль «Студия новой музыки», а в 1994 году — Международный фестиваль «Московский форум». В 1992—2022 гг. — профессор композиции в Московской консерватории, где в 2003 году организовал Кафедру современной музыки. Был первым российским композитором, приглашенным в качестве профессора на Летние курсы новой музыки в Дармштадте (2010). Инициатор Международного конкурса молодых композиторов имени П. Юргенсона в Москве и Международного конкурса Московской консерватории (2018). Член жюри международных конкурсов композиторов в Амстердаме, Варшаве, Штутгарте, Орлеане, Москве и др. Член Саксонской академии искусств (Германия).

Родилась в 1919 году в Петрограде. В 1937—1939 гг. училась в музыкальной школе-десятилетке при Ленинградской консерватории, а затем до 1947 года — в Ленинградской консерватории имени Н. А. Римского-Корсакова. Ее учитель композиции Дмитрий Шостакович говорил о ней: «Я убежден, что музыка Галины Уствольской достигнет всемирной известности и будет оценена всеми, для кого истина в искусстве имеет первостепенное значение». Несколько раз Шостакович поддерживал ее в Союзе композиторов, несмотря на сопротивление коллег. Он присылал Уствольской свои еще незаконченные сочинения и придавал большое значение ее замечаниям. В своем Струнном квартете № 5 и в Сюите на стихи Микеланджело Шостакович использовал вторую тему из финала Трио для кларнета, скрипки и фортепиано Уствольской.

До конца 1950‑х творчество Уствольской, если не считать немногих произведений, созданных в рамках магистрального направления советской музыки, оставалось практически неизвестно. Между тем, еще в конце 1940‑х она выработала глубоко индивидуальный стиль, для которого характерны высокая степень напряженности и концентрированности музыкального высказывания, экономная фактура, подчеркивание динамических и регистровых контрастов, диссонансы, необычные сочетания инструментальных тембров.

ГАЛИНА
УСТВОЛЬСКАЯ

1919, ПЕТРОГРАД —
2006, САНКТ-ПЕТЕРБУРГ

Виктор Суслин, коллега и друг Уствольской, однажды назвал ее музыку «голосом из „Черной дыры“ Ленинграда, эпицентра коммунистического террора, города, пережившего столь ужасные страдания и муки войны». Уствольской понравилась эта метафора, и она стала называть свою музыку «Музыкой из черной дыры».

С конца 1980‑х музыка Уствольской постоянно звучит на российских и зарубежных фестивалях. Среди самых значительных ее произведений — 6 сонат для фортепиано, Трио для кларнета, скрипки и фортепиано, Октет для 2 гобоев, 4 скрипок, литавр и фортепиано, 12 прелюдий для фортепиано, Большой дуэт для виолончели и фортепиано, 3 композиции для разных инструментальных составов, симфонии №№ 2, 3, 4, 5. В числе исполнителей музыки Уствольской — Мстислав Ростропович, Райнберт де Леу, Патриция Копачинская, Маркус Хинтерхойзер, Анатолий Ведерников, Алексей Любимов, Олег Малов, Иван Соколов, Федор Амиров, Александр Рудин, Юрий Фаворан.

Николай Черепнин родился в 1873 году в Петербурге в семье известного медика, личного врача Достоевского. Получал образование на юридическом факультете Петербургского университета и в Петербургской консерватории (класс композиции Николая Римского-Корсакова). Вел активную творческую жизнь, в том числе и как дирижер: под его управлением проходили «Русские симфонические концерты», концерты Русского музыкального общества, «Исторические концерты», а в 1909—1914 гг. — программы «Русских сезонов» в Париже, Лондоне, Монте-Карло, Риме, Берлине. Также дирижировал спектаклями Мариинского театра и оперного театра в Тифлисе. С 1905 по 1917 год преподавал в Петербургской консерватории. Основал первый в России класс дирижирования. Среди его учеников были Николай Обухов, Юрий Шапорин и Сергей Прокофьев, посвятивший учителю Симфониетту, Фортепианный концерт № 1 и Скерцо для четырех фаготов.

Композиторская деятельность Черепнина, продолжавшаяся более полувека, включает свыше 60 сочинений, одни из которых продолжают традиции «Могучей кучки» и Чайковского, другие примыкают к художественным течениям XX века, в том числе к импрессионизму.

НИКОЛАЙ
ЧЕРЕПНИН

1873, САНКТ-ПЕТЕРБУРГ —
1945, ИССИ-ЛЕ-МУЛИНО ПОД ПАРИЖЕМ

Помимо 16 балетов, Черепнину принадлежат две симфонии, Симфониетта памяти Римского-Корсакова, симфонические поэмы «Судьба» и «Макбет», оперы «Сват» и «Ванька-ключник», ряд духовных сочинений a cappella, более 100 романсов, фортепианные и ансамблевые произведения. Черепнин оркестровал и отредактировал многие произведения русской музыки, в их числе оперы «Мельник-колдун, обманщик и сват» Соколовского и «Сорочинская ярмарка» Мусоргского.
В 1918—1921 гг. Черепнин занимал должность директора Тифлисской консерватории. В Грузии выступал как симфонический и оперный дирижер. С 1921 года жил в Париже, где основал Русскую консерваторию и сотрудничал с балетной труппой Анны Павловой. В 1932 году по приглашению Сергея Кусевицкого дирижировал Бостонским симфоническим оркестром. С 1937 года возглавлял Попечительский совет издательства «М. Беляев в Лейпциге».

Литовский художник и композитор; родоначальник профессиональной литовской музыки. Автор первых литовских симфонических поэм «В лесу» и «Море», увертюры «Кястутис», кантаты для хора и симфонического оркестра «De profundis», струнного квартета, произведений для хора. Записал и обработал свыше 60 литовских народных песен. Сочинил свыше 200 произведений для фортепиано (прелюдии, вариации, «пейзажи», произведения для струнного квартета и органа). Наибольшую известность приобрел как художник. Чюрлёнис написал около 300 произведений в духе модерна (ар-нуво), сочетающих влияние символизма с элементами народного декоративно-прикладного искусства, цитатами и реминисценциями из японской, египетской, индийской культур, стремление к синтезу искусств и к поискам аналогий музыки и изобразительного искусства.

МИКАЛОЮС
ЧЮРЛЁНИС

1875, ОРАНЫ, ВИЛЕНСКАЯ ГУБ. —
1911, ПУСТЕЛЬНИК, ВАРШАВСКАЯ ГУБ.

Музыкальное творчество Чюрлёниса принято разделять на ранний (1896−1903) и поздний (1904−1910) периоды. Ранний связан с обучением в Варшаве и Лейпциге — это время становления стиля композитора, период овладения композиционной техникой. Произведения того времени ярко отражают восхищение Шопеном, однако часть их свидетельствует о склонности композитора к полифоническому мышлению, о стремлении найти новые композиционные и инструментальные возможности. В позднем периоде Чюрлёнис решительно обращается к музыкальному модернизму. Его интересуют короткие серии звуков, на основе которых формируется все произведение. Графический контур мелодий, расположение партий и фактуры инструментов отображают очевидное стремление Чюрлёниса найти новые пути к синтезу искусств.

Родился в 1882 году в деревне Тимошовка Киевской губернии (ныне Черкасская область). С детства находился в атмосфере искусства: его отец и брат были пианистами, сестра — певицей, художницей и поэтессой. Уже в детские годы сочинял оперы, обучался игре на фортепиано сначала под руководством отца, а затем своего дяди Густава Нейгауза — отца пианиста Генриха Нейгауза. В 1901 году поступил в Варшавскую консерваторию, где учился композиции у Зигмунта Носковского. В эти годы создавал в основном фортепианные произведения, в которых заметно влияние музыки Шопена и Скрябина. В 1905 году стал одним из участников группы «Молодая Польша», целью которой было развитие нового, национального, высоко профессионального искусства.

С 1906 по 1914 годы жизнь Шимановского была связана с Берлином и Веной, он путешествовал по Италии, Германии, Польше, Украине, посещал Алжир и Тунис. Впоследствии образы Востока нашли отражение в его Третьей симфонии, в вокальных сочинениях «Любовные песни Хафиза», «Песни безумного муэдзина», в песнях на слова Рабиндраната Тагора.

КАРОЛЬ
ШИМАНОВСКИЙ

1882, ДЕР. ТИМОШОВКА, КИЕВСКАЯ ГУБ. —
1937, ЛОЗАННА

В годы Первой мировой войны формируется новый стиль Шимановского: для его музыки становятся характерны красочность и колористичность звуковой палитры, более сложный гармонический язык, выходящий за рамки классико-романтической традиции. Среди сочинений этих лет выделяются циклы «Мифы», «Метопы», «Маски», Скрипичный концерт № 1 и опера «Король Рогер», одна из вершин творчества композитора.

В 1919 году Шимановский переехал в Варшаву, а годом позже отправился на гастроли в Англию, Францию и США. На 1920‑е годы пришелся еще один этап его стилевой эволюции: Шимановский обратился к национальному фольклору, старинным диатоническим ладам (как, например, в вокальном цикле «Слопевни»), собирал народную музыку, делал обработки курпевских и подгаляньских песен. Последние годы жизни Шимановского связаны с педагогической деятельностью; с 1927 года он возглавлял Варшавскую консерваторию и вел класс композиции.

В 1958 году окончил Московскую консерваторию по классу композиции Евгения Голубева. В начале 1960‑х обратился к изучению додекафонии, а затем и других новых техник композиции. В 1962—1972 годах преподавал инструментовку в Московской консерватории. Все эти годы активно осваивал новые методы письма и стремился найти собственный стиль. К его первым значительным сочинениям принадлежат Диалог для виолончели и семи инструменталистов и 2‑й концерт для скрипки с оркестром. Оба произведения воссоздают конфликт одинокого, тонко чувствующего индивидуума (его персонификациями служат виолончель и скрипка) и чуждой, враждебной, вульгарной среды. По существу, тот же сюжет лежит в основе значительной части позднейших концепций Шнитке.

В одной из аналитических работ 1971 года Шнитке ввел в обиход термин «полистилистика», обозначив им актуальную тенденцию к сочетанию разнородных стилей. Достоинства полистилистики, согласно Шнитке, заключаются в преодолении консервативной и авангардной ортодоксии (и та и другая, по его мнению, мешают развитию музыки), расширении круга выразительных средств. Среди предшественников современной полистилистики — Малер, Айвз и Шостакович, каждый из которых оказал на Шнитке существенное влияние.

АЛЬФРЕД
ШНИТКЕ

1934, ЭНГЕЛЬС —
1998, ГАМБУРГ

Для Шнитке полистилистика стала средством воплощения глубоких философских тем. Особенно показательны в этом отношении его опусы конца 1960‑х — первой половины 1980‑х годов. В ряде партитур этого периода непосредственно выразилось религиозное мировоззрение Шнитке — католика и экумениста: Реквием, Гимны I-IV, Симфонии №№ 2 и 4, Концерт для хора на слова армянского духовного поэта Х века Григора Нарекаци.

В 1970‑х — начале 1980-х годов Шнитке был одним из самых востребованных в СССР композиторов, работавших в театре и кино; он сочинил музыку более чем к 60 фильмам и спектаклям, среди которых работы Михаила Швейцера, Александра Митты, Андрея Хржановского, Ларисы Шепитько, Элема Климова и других выдающихся режиссеров.
С 1991 года жил в Гамбурге; до 1994‑го продолжал активно сочинять, одно из последних произведений — Симфония № 9 (завершена Александром Раскатовым). В его позднем творчестве заметное место занимают крупные произведения для музыкального театра: балет «Пер Гюнт», оперы «Жизнь с идиотом», «История доктора Иоганна Фауста», «Джезуальдо». Среди сочинений также — четыре скрипичных и два виолончельных концерта, альтовый концерт, шесть concerti grossi, струнные квартеты, фортепианный квинтет, «Гоголь-сюита» для оркестра.

Максимилиан Штейнберг родился в 1883 году в Вильно. В 1901 году переехал в Петербург, где поступил в консерваторию и на физико-математический факультет Императорского Санкт-Петербургского университета. В консерватории он учился у Лядова (гармония), Глазунова (инструментовка), Ауэра (скрипка) и Римского-Корсакова (композиция), на дочери которого Надежде Николаевне женился в 1908 году. По указаниям Римского-Корсакова Штейнберг завершил несколько его неоконченных работ: оркестровую сюиту из оперы «Золотой петушок», третью редакцию сюиты «Антар»; подготовил к изданию партитуры опер «Боярыня Вера Шелога», «Майская ночь» и полное собрание романсов. Под редакцией Штейнберга вышел учебник «Основы оркестровки» и новое издание «Практического учебника гармонии» Римского-Корсакова.

С 1917 года был профессором Петербургской консерватории, деканом композиторского факультета, заведующим дирижерским отделом.

МАКСИМИЛИАН
ШТЕЙНБЕРГ

1883, ВИЛЬНО —
1946, ЛЕНИНГРАД

Среди его учеников — Дмитрий Шостакович, Мария Юдина, Владимир Софроницкий, Галина Уствольская. Занимал должность заместителя директора консерватории по концертной работе и входил в Художественный совет филармонии. В творчестве и в преподавании Штейнберг придерживался академических взглядов, хотя на его музыку оказали влияние импрессионизм и символизм. В духе неоклассицизма написан его музыкально-мимический триптих «Метаморфозы» (по Овидию). В 1914 году показы триптиха прошли в Лондоне и Париже в рамках «Русских сезонов» Дягилева. Также среди сочинений Штейнберга — балет «Тиль Уленшпигель», пять симфоний, симфонические и вокально-симфонические произведения.

В 1930‑е годы Штейнберг участвовал в развитии национальной музыки союзных республик, делал обработки песен народов СССР (Узбекистана, Армении и др.). Вел дирижерскую деятельность, выступая в городах России и Европы.

КОНТАКТЫ ДЛЯ ПРЕССЫ

E-MAIL: ANTON@KARETNIKOV.COM

ДИЗАЙН : FARO STUDIO

ПРЕСС-РЕЛИЗ

2024 COPYRIGHT