Родился в Кочмесе, куда его родители были депортированы в 1936 году. Жил до 1958 года в Воркуте, потом в Ленинграде, где учился по классу скрипки и изучал основы композиции в Специальной музыкальной школе; в консерватории учился в классе композиции Вадима Салманова. В 1974 году женился на француженке и эмигрировал во Францию, где изучал композицию в классе Оливье Мессиана в Парижской национальной консерватории. С 1976 живет в Нормандии. Автор более 270 сочинений в самых разных жанрах. В последние годы уделяет особое внимание камерной, фортепианной, вокальной и хоровой музыке.
«Валерию Арзуманову удалось создать вне основных музыкальных течений второй половины ХХ века мощный и оригинальный музыкальный стиль, опирающийся на традиции Мусоргского и Шостаковича, Мессиана и классической музыки Индии. Его сочинения часто драматичны и полны глубокой лирической поэзии. В них живет память о детстве в тени сталинского террора. Образная, питаемая ностальгией по России, его музыка выражает множество человеческих эмоций и свидетельствует о глубине души» (Антони Жирар).

Один из первопроходцев электронной музыки, классик отечественного кино, автор симфонических, хоровых произведений, инструментальных концертов, вокальных циклов. Учился в Московском хоровом училище имени А. В. Свешникова. В 1960 году окончил теоретико-композиторский факультет Московской консерватории (класс композиции Юрия Шапорина и его ассистента Николая Сидельникова). Вскоре был приглашен в Московскую экспериментальную студию электронной музыки под руководством Евгения Мурзина, где активно изучал электронную музыку, тогда же дебютировал в кино. В этапном произведении «Мозаика» (1967) Артемьев пришел к новому для себя типу композиции — электронно-сонорной технике. Композиция «Три взгляда на революцию», созданная к 200-летию Французской революции, стала сенсацией на Фестивале электронной музыки в Бурже.
Сочинения Артемьева 1960–70-х принадлежат эстетике авангарда: оратория на стихи Александра Твардовского «Я убит подо Ржевом», симфоническая сюита «Хороводы», сюита для женского хора и оркестра «Лубки», кантата «Вольные песни», Концерт для альта, музыка к пантомиме «За мертвыми душами». Середина 1970-х — начало нового этапа в его творчестве: появляются симфония «Семь врат в мир Сатори» для скрипки, рок-группы и фонограммы; электронная композиция «Мираж»; поэма для рок-группы«Человек у огня»; кантата «Ритуал» («Ода доброму вестнику») на стихи Пьера де Кубертена для нескольких хоров, синтезаторов, рок-группы и симфонического оркестра, посвященная открытию Олимпийских игр в Москве; цикл «Тепло земли» (1981); симфония «Пилигримы» (1982).
В 2000 году Артемьев завершил работу над оперой «Раскольников» по роману Достоевского «Преступление и наказание», начатой еще в 1977 году. В 2016 году она была поставлена в Театре мюзикла в Москве. В 2014 году композитор создал симфоническую сюиту «Мастер», посвященную 85-летию со дня рождения Василия Шукшина, в 2018-м закончил реквием «Девять шагов к Преображению» для хора, солистов, оркестра и органа, посвященный Владимиру Минину.
Автор музыки более чем к 200 кинокартинам, среди которых «Солярис», «Зеркало» и «Сталкер» Андрея Тарковского; «Раба любви», «Неоконченная пьеса для механического пианино» и «Несколько дней из жизни И. И. Обломова» Никиты Михалкова; «Сибириада» Андрона Кончаловского, «Курьер» и «Город Зеро» Карена Шахназарова. Также автор музыки более чем к 30 театральным постановкам, среди которых «Идиот» и «Статья» в Центральном академическом театре Российской армии; «Кресло» и «Платонов» в Театре под руководством Олега Табакова; «Приключения капитана Батса» в Рязанском детском театре; «Механическое пианино» в Teatro di Roma, «Чайка» в парижском театре «Одеон».

Петерис Васкс – наиболее авторитетный и известный в мире композитор Латвии. Его сочинения исполняют крупнейшие солисты, дирижеры и коллективы – Гидон Кремер, Вадим Репин, Дмитрий Ситковецкий, Вадим Глузман, Энтони Марвуд, Максим Рысанов, Давид Герингас, Соль Габетта, Альбрехт Майер, Кирилл Петренко, Клаус Мякеля, Пааво Ярви, Деннис Рассел Дэвис, Сантту-Матиас Рували, Робин Тиччиати, «Кронос-квартет», «Кремерата Балтика», The Hilliard Ensemble, Берлинский филармонический оркестр, оркестр лейпцигского Гевандхауса, «Академия святого Мартина в полях» и многие другие.
В ряду художественных ориентиров Васкса – как старинная, так и современная музыка. На его творчество оказали влияние Витольд Лютославский, Кшиштоф Пендерецкий, Хенрик Миколай Гурецкий, Гия Канчели, а также Малер и Сибелиус. Несмотря на интерес к польскому авангарду, в творчестве Васкс стремится к более простым средствам выразительности, опираясь на диатонический звукоряд, по возможности избегая резких модуляций и хроматизмов. Не случайно ряд ключевых сочинений Васкса написан для струнного оркестра, выразительные возможности которого хотя и небезграничны, но необыкновенно разнообразны: среди них – Cantabile (1979), симфония «Голоса» (1991), Musica adventus (1995/96), «Далекий свет» для скрипки и струнных (1996/97) и Musicadolorosa (1983).
Васкс учился в Рижской музыкальной академии и Литовской музыкальной академии в Вильнюсе, где изучал игру на контрабасе у Витаутаса Серейки до 1970 года. С 1973 по 1978 год изучал композицию у Валентина Уткина в Латвийской музыкальной академии в Риге. В 1963–1974 годах Васкс играл в составе различных симфонических и камерных оркестров, в том числе Литовского филармонического (1966–1969), Латвийского филармонического камерного (1969–1970) и Оркестра Латвийского радио и телевидения (1971–1974). Начал приобретать известность за пределами Латвии в 1990-е годы, когда его работу поддержал Гидон Кремер. Васкс трижды удостоен Большой музыкальной премии — высшей латвийской государственной награды в области музыки: в 1993 году за Litene, в 1998-м за скрипичный концерт «Далекий свет» и в 2000-м за Вторую симфонию. В 1996 году награжден премией Гердера Фонда Альфреда Топфера (Гамбург). В 2004 году запись Второй симфонии и «Далекого света» награждены Каннской премией «Диск года» и «Лучшее сочинение для оркестра».

Композитор, клавесинист, музыковед. Учился в Женеве у Дину Липатти, а после переезда семьи Волконских в СССР (1947) — у Юрия Шапорина в Московской консерватории. До 1955 года писал под влиянием Прокофьева, Стравинского, Хиндемита; ранние кантаты, камерно-инструментальные и оркестровые произведения Волконского были с одобрением восприняты советской публикой и критикой. Отношения Волконского с официальными музыкальными кругами резко ухудшились после того, как он обратился к современным западным техникам композиции.
В 1956 году Волконский написал фортепианный цикл Musica stricta («Строгая музыка») — первый образец серийной техники в русской музыке. Затем последовали вокальные циклы «Сюита зеркал» на слова Гарсиа Лорки (1959) и «Жалобы Щазы» на фольклорный текст (1960), стилистически родственные Шёнбергу, позднему Стравинскому и Булезу. С этих произведений Волконского фактически началась история авангарда в СССР.
С 1962 года музыка Волконского в СССР не исполнялась; его официально разрешенная деятельность ограничивалась выступлениями в качестве клавесиниста и органиста, руководителя первого в СССР ансамбля старинной музыки «Мадригал» (основан Волконским в 1964 году) и автора киномузыки. В 1973 году эмигрировал из СССР. В 1981 году основал ансамбль старинной музыки Hoc opus. Сделал ряд записей, из которых особенно известен второй том «Хорошо темперированного клавира» Баха, и создал еще несколько сочинений, в том числе Псалом 148 Laudate Dominum для хора, органа и литавр.

Композиции обучался в Музыкальном училище при Московской консерватории в классе Григория Фрида, а затем в Московской консерватории имени П. И. Чайковского в классе Владимира Фере, закончив ее в 1969 году. С 1969 по 1974 год работал музыкальным редактором на Всесоюзном радио, с 1974 года — в издательстве «Композитор». Музыкальный язык Вустина развивает идеи двенадцатитоновости. Сочинения Вустина включаются в программы многих известных фестивалей, среди которых «Дни новой музыки в Цюрихе» и Ноlland Festival, Рrеsеnces-93 в Париже и фестиваль в Донауэшингене (Германия), фестиваль камерной музыки в Локенхаусе (Австрия), «Московский Форум» и «Московская Осень». Среди исполнителей его музыки такие известные солисты, как Гидон Кремер, Табеа Циммерман, Иван Соколов, дирижеры Рейнберт де Леу, Лев Маркиз, Эри Клас, Александр Лазарев, Мартин Браббинс, Владимир Юровский; камерные коллективы и оркестры — Ансамбль солистов Большого театра, ансамбль ударных Марка Пекарского, Студия новой музыки, Госоркестр России имени Е. Ф. Светланова (где с 2016 года Вустин был композитором-резидентом), Шёнберг-ансамбль, Филармонический оркестр Радио Нидерландов, «Новая Амстердамская симфониетта», Симфонический оркестр Би-би-си и многие другие.
Среди сочинений – «Слово для духовых и ударных» (1975), «Блаженны нищие духом» (1988), опера «Влюбленный дьявол» (1989, поставлена в 2019-м в МАМТе), «Письмо Зайцева» (1990), «Героическая колыбельная» (1991), Agnus Dei (1993), кантата «Ветер» на слова из поэмы «Двенадцать» Блока (2012), «Песня Лукерьи» (2015), «Три стихотворения Ольги Седаковой» (2017).

В 1954 году окончила Казанскую консерваторию по классу фортепиано. В 1954–1959 гг. училась в Московской консерватории у Николая Пейко (композиция); совершенствовалась в аспирантуре у Виссариона Шебалина (1960–1963). В музыкальной жизни СССР 1960–1980-х занимала независимую позицию. В отличие от двух других представителей «московской тройки», Денисова и Шнитке, не преподавала в консерватории и сравнительно мало писала для кино. До начала 1980-х ее музыка редко звучала в СССР и была почти неизвестна за границей. Мировое признание принес Губайдулиной скрипичный концерт Offertorium, впервые исполненный Гидоном Кремером в 1981 году в Вене. Ее известность укрепилась после 1985 года, когда она начала выезжать за границу и получать заказы из разных стран. С 1992 года живет в Германии.
В 1960-х Губайдулина писала в серийной технике (кантата «Ночь в Мемфисе», 1968), обращалась к разнообразным новым методам организации звукового материала. В основе большинства ее партитур лежит идея антитезы (что отражено в заглавиях «Шум и тишина», «Светлое и темное», «Сад радости и печали», «Слышу... умолкло...», Pro et contra, «Чет и нечет», «Две тропы» и т. д.). Фундаментальное значение для Губайдулиной имеет противопоставление «земного» (развивающегося, материального) и «небесного» (статичного, идеального) начал. Центральный символ, вокруг которого строится художественный мир Губайдулиной, — распятие, сочетающее вертикаль вечного Божественного смысла и горизонталь реального времени. Образом Креста вдохновлены некоторые из ее лучших опусов, в том числе In Croce для виолончели и органа, Offertorium, «Семь слов» для виолончели, баяна и струнных. В поисках новых средств и форм для передачи религиозно-мистических идей Губайдулина экспериментирует с нетрадиционными приемами игры, необычными сочетаниями инструментов, математическими структурами (числами Фибоначчи и др.), которые наделяет глубоким символическим смыслом.

В 1951 году окончил физико-математический факультет Томского университета. Обучался игре на фортепиано и занимался композицией в Томском музыкальном училище. В 1950-е с произведениями Денисова познакомился Шостакович, распознавший в нем большой талант. В 1951–1956 Денисов учился у Виссариона Шебалина в Московской консерватории; с 1959-го преподавал там же инструментовку, тогда же заявил о себе как один из лидеров советского авангарда (класс композиции появился у Денисова только в конце 1980-х).
На рубеже 1970–1980-х Денисов выступил активным пропагандистом творчества русских композиторов-модернистов 1920-х, принужденных к творческому молчанию в сталинское время. В 1989 году Денисов возглавил воссозданную Ассоциацию современной музыки, участвовал в организации Московского ансамбля современной музыки. Написал ряд теоретических работ, преимущественно по музыке XX века. Своим первым зрелым опусом Денисов считал камерную кантату «Солнце инков» на слова Габриэлы Мистраль (1964). В кантате оригинально претворены элементы серийной техники, алеаторики, сонористики; в 1965 году кантата исполнялась в Дармштадте и Париже, о ней похвально отзывался 84-летний Игорь Стравинский. К «Солнцу инков» примыкают вокальные циклы «Плачи» и «Итальянские песни».
Центральные сочинения 1970-х связаны в основном с оркестровым письмом — это «Живопись» для большого оркестра, вдохновленная картинами Бориса Биргера, концерты для виолончели, фортепиано, флейты, скрипки, флейты, гобоя. Большинство концертов сочинялось специально для выдающихся музыкантов-виртуозов. В творчестве Денисова 1980–1990-х значительное место заняли жанры ораториальной и театральной музыки. Важнейшие произведения этого периода — Реквием для солистов, хора и оркестра на латинские и французские литургические тексты и стихи Ф. Танцера, опера «Пена дней», «Исповедь», «История жизни и смерти Господа нашего Иисуса Христа», Камерная симфония № 2. Мастер и знаток оркестра, Денисов инструментовал ряд произведений композиторов-классиков, в том числе Шуберта, Мусоргского, Мосолова; завершил и оркестровал оперу Дебюсси «Родриго и Химена» и ораторию Шуберта «Лазарь».

В 1971 году окончил ГМПИ имени Гнесиных как композитор (класс Арама Хачатуряна) и музыковед, позднее — аспирантуру Ленинградской консерватории. Издал первую в Советском Союзе монографию об Оливье Мессиане (за этот труд ему была присуждена степень кандидата искусствоведения). Регулярно выступает в печати как критик и музыковед. За время работы в издательстве «Советский композитор» отредактировал несколько томов полного собрания сочинений Шостаковича. Екимовский — вице-президент и один из самых активных участников Ассоциации современной музыки (Москва).
Мимо внимания композитора не проходит ни одно значительное явление в музыке второй половины XX века, хотя конкретное воплощение той или иной композиторской техники носит у него ярко индивидуализированный характер, что отражается и в формах нотной записи.
Музыка Екимовского часто рождается в сотрудничестве с исполнителями — так были созданы произведения для редких и необычных комбинаций инструментов: «В созвездии гончих псов» для трех флейт и магнитофонной ленты (для югославского ансамбля «За другу нову музику»), «Кантус фигуралис» (для международного ансамбля саксофонистов под руководством Ж. М. Лондейкса), Тройные камерные вариации (для Ensemble Modern), «Из каталога Эсхера» для 7 исполнителей и слайд-проекции (для фестиваля «Инструментальный театр» в Штутгарте — 1994). Cреди ключевых сочинений также – Трио-соната da camera (1971), «Бранденбургский концерт» (1979), «Соната с похоронным маршем» (1981). В 1980-е музыка Екимовского принимает более строгие черты, близкие концептуалистскому типу мышления («Прощание» для фортепиано, «Мандала» для 9 исполнителей). В 1990-е годы творчество композитора приобрело неоромантическую окраску («Лунная соната» для фортепиано, «Симфонические танцы» для фортепиано с оркестром, «27 разрушений» для ансамбля ударных, «Зеркало Авиценны» для 14 исполнителей).
Cекретарь Союза композиторов России, член Правления Союза композиторов Москвы и оргкомитета фестиваля «Московская осень».

После окончания школы при Харьковском институте искусств поступил на композиторский факультет Ленинградской государственной консерватории имени Н. А. Римского-Корсакова (1973). На его курсе класс композиции вел профессор Борис Арапов, класс инструментовки — профессор Борис Тищенко.
В качестве экзаменационной работы к сессии 4 курса написал первую оперу «Бедная Лиза» на собственное либретто по Карамзину. В 1980 году оперу (в более поздней редакции) поставил режиссер Юрий Борисов в московском Камерном музыкальном театре Бориса Покровского. В 1978 году Десятников окончил консерваторию, а в 1979-м был принят в Союз композиторов.
В 1990 году Десятников познакомился с режиссером Александром Зельдовичем и написал музыку к его фильму «Закат» по Исааку Бабелю. Позднее были другие киноработы — «Затерянный в Сибири» (1991), «Подмосковные вечера» (1994), «Серп и молот» (1994), «Мания Жизели» (1995), «Тот, кто нежнее» (1996), «Москва» (2000), «Дневник его жены» (2000), получивший премию «Ника» как «лучший игровой фильм года», «Олигарх» (2002), «Космос как предчувствие» (2005) и другие.
С 1996 года интенсивно сотрудничает с Гидоном Кремером как композитор («Как старый шарманщик...»; камерная версия «Эскизов к “Закату”») и аранжировщик произведений Астора Пьяццолы, среди которых танго-оперита «Мария де Буэнос-Айрес» (запись номинировалась на «Грэмми»).
Десятников — один из самых исполняемых современных российских композиторов. Его музыка часто звучит на крупных музыкальных фестивалях: Локенхаус (Австрия, 1996, 1998), Гштаад (Швейцария, 1997), «Декабрьские вечера Святослава Рихтера» (1997). «Эскизы к “Закату”» исполнялись Немецким симфоническим оркестром Берлина и оркестром Гевандхауса (Лейпциг).
Среди произведений Десятникова оперы «Никто не хочет петь, или Браво-брависсимо, пионер Анисимов», «Витамин роста», поставленные в Детском музыкальном театре «Зазеркалье», «Дети Розенталя» — в Большом театре; вокальные циклы «Любовь и жизнь поэта» на стихи Николая Олейникова и Даниила Хармса, «Пять стихотворений Тютчева»; кантаты «Пинежское сказание о дуэли и смерти Пушкина» и «Дар» на стихи Гавриила Державина; «Свинцовое эхо» на стихи Джерарда Манли Хопкинса для голоса и инструментов, камерно-инструментальные сочинения и произведения для хора.

Окончил Симферопольское музыкальное училище, затем Московскую консерваторию (класс композиции С. Богатырева, класс фортепиано В. Натансона) и аспирантуру (классы Дмитрия Кабалевского и Тихона Хренникова). С самого начала симфонический жанр в его творчестве определился как ведущий. За десять лет учебы в консерватории (1953–1963) он успел написать свои первые десять симфоний. В начале 60-х годов Караманов модернизирует свой стиль и становится, наряду с Волконским, Шнитке, Денисовым и Губайдулиной, одним из первых советских авангардных композиторов. Авангардный период в творчестве Караманова был коротким — с 1962 по июль 1964 года; в это время им созданы многие сочинения, включая Симфонии №№ 9 и 10, фортепианную музыку (Пролог, Мысль и Эпилог, Музыка для фортепиано №№ 1 и 2, Концертные фуги, Этюды для фортепиано), а также камерную музыку (Музыку для скрипки и фортепиано, Музыку для виолончели и фортепиано и др.).
После окончания аспирантуры, не имея работы и места жительства в Москве, Караманов решил вернуться домой в Симферополь. С этого времени его музыкальное творчество целиком посвящено религиозной тематике. Он вырабатывает новый неоромантический тональный стиль. Почти полностью отказавшись от жанров фортепианной и камерной музыки, целиком посвятил себя созданию симфонических и вокально-симфонических произведений. Автор гимна Республики Крым (1992). С 1991 года музыка Караманова часто звучит на фестивалях в России и за рубежом.

Один из лидеров послевоенного музыкального авангарда, чья симфоническая, камерная и духовная музыка стала частью советского неофициального искусства. Окончил Центральную музыкальную школу и Московскую государственную консерваторию имени П. И. Чайковского по классу композиции у Виссариона Шебалина. Неофициально брал уроки у Филиппа Гершковича.
Судьба Каретникова — одна из самых драматичных в истории Второго авангарда. Уже к тридцати годам композитор получил широкую известность в стране благодаря первым симфониям, оратории «Юлиус Фучик» и балетам «Геологи» и «Ванина Ванини», поставленным в Большом театре в начале 1960-х. Однако в 1957 году в жизни Каретникова произошли два поворотных события: он пришел к православию, а в музыке открыл для себя творчество композиторов нововенской школы и принципы додекафонии (практически одновременно с Андреем Волконским). Услышав их музыку, Каретников писал: «Новую Венскую школу я должен был услышать хотя бы в 18 лет, а не в 27. У моего поколения украли 8–9 лет жизни, важнейших в развитии человека, и эти потери никому и никогда не возместить». С середины 1960-х он стал прихожанином о. Александра Меня.
Испытав духовное перерождение и переосмыслив эстетические взгляды, Каретников исключил из своего портфеля почти все произведения, написанные до 1961 года, и сознательно отказался от статуса признанного и исполняемого советского композитора. Независимая эстетическая, общественная и нравственная позиция Каретникова привела к его длительной изоляции от ведущих течений музыкальной жизни СССР. Это вместе с негласным запретом на исполнение привело к тому, что его творчество до сих пор практически не изучено. Убежденный приверженец «классической» серийной додекафонии шёнберговского типа, на основе которой он выработал собственный стиль, и вместе с тем самобытный продолжатель традиций православной духовной музыки, Каретников не отказывался от тональности и других техник там, где они были оправданы замыслом, — и соединял додекафонию с иными формами музыкального письма. Ему удалось перешагнуть через экспериментальность языка нововенцев, органично сочетая принцип серийности с симфонической традицией российской композиторской школы.
Инструментальные сочинения, оперы и духовные песнопения Каретников писал практически «в стол», а его имя ассоциировалось в первую очередь с многочисленными прикладными работами — для театра и в особенности для кино. Среди широко известных — «Скверный анекдот» (1965), «Бег» (1970) режиссеров А. Алова и В. Наумова, «Прощай, шпана замоскворецкая…» А. Панкратова (1987), «Десять дней, которые потрясли мир» Ю. Любимова (1965, Театр на Таганке), «Заговор Фиеско в Генуе» Л. Хейфеца (1977, Малый театр), «Тевье-молочник» С. Евлахишвили (1985, Центральное ТВ) и многие другие. Среди наиболее крупных сочинений Каретникова — оперы «Тиль Уленшпигель» (1965–1985) и «Мистерия апостола Павла» (1970–1987). В первой из них парадоксально сочетаются разнообразные стилевые идиомы. Вторая опера стилистически более однородна; по типу замысла и характеру музыки она родственна опере А. Шёнберга «Моисей и Арон». Каретников также является автором трех балетов, четырех симфоний, двух камерных симфоний, двух циклов духовных песнопений, камерной и фортепианной музыки.
Автор книги воспоминаний «Темы с вариациями» (1990), переизданной к юбилею в 2020 году Издательством Ивана Лимбаха (Санкт-Петербург).

Закончил Среднюю специальную музыкальную школу при Ленинградской консерватории по классу виолончели у Эммануила Фишмана в 1961 году. Затем продолжил образование в консерваториях — Московской (1961–1963), где учился у Мстислава Ростроповича, и Ленинградской (1963–1967) по классу композиции у Бориса Арапова. В 1979 году на VI съезде композиторов в докладе Тихона Хренникова его музыка подверглась жесткой критике, и Кнайфель вместе с московскими коллегами Денисовым, Губайдулиной и др. попал в так называемую хренниковскую семерку — «черный список» семи отечественных композиторов авангардного направления.
Автор свыше 100 композиций во всех областях музыкального творчества. Премьеры его произведений звучат на крупнейших музыкальных фестивалях в Париже, Лондоне, Амстердаме, Нью-Йорке, Цюрихе, Зальцбурге, Берлине, Франкфурте, Кёльне, Маастрихте, Ферраре и др. Написал музыку более чем к 40 художественным и художественно-публицистическим фильмам. Александр Кнайфель первым из российских музыкантов удостоен международной премии DAAD (Немецкой академической службы обменов). Член Союза композиторов (с 1968) и кинематографистов (с 1987).
Заслуженный деятель искусств России (1996), живет и работает в Санкт-Петербурге. Среди сочинений – опера «Кентервильское привидение», балет «Медея», «Восьмая глава» для храма, четырех хоров и виолончели, вокальный цикл «Глупая лошадь», «В эфире чистом и незримом» для фортепиано и струнного квартета.

Окончил Среднюю специальную музыкальную школу при Ленинградской консерватории, затем Ленинградскую консерваторию по специальностям «хоровое дирижирование» (класс профессора Елизаветы Кудрявцевой) и композиция (класс Владимира Цытовича), затем аспирантуру консерватории по композиции (класс профессора Бориса Арапова).
Профессор Санкт-Петербургской консерватории (заведующий кафедрой оркестровки и общего курса композиции), заслуженный деятель искусств Российской Федерации. Член Союза композиторов Санкт-Петербурга.
Среди наиболее значительных сочинений: симфоническая поэма «О траве, камнях и воде», оратория на текст из древнерусских летописей и былин «Житие князя Владимира», хоровой концерт «Слава Богу за все» на текст акафиста Григория Петрова, Адажио для хора и струнного оркестра, «Большой распев» для струнных, клавесина и ударных, электронная композиция shalyapin.wav, «Еретик» для хора фаготов и оркестра, «Школа для дураков» для солистов и ансамбля на тексты из романа Саши Соколова, хоры на стихи Иосифа Бродского и Ольги Седаковой, балеты «Приказ короля» и «Конек-горбунок».
Музыка Анатолия Королёва исполнялась во многих городах России, в различных странах Европы, в США, Японии, Австралии, в Южной Америке, транслировались по радио в ряде европейских стран. Его сочинения звучат в программах международных фестивалей современной музыки в России («Музыкальная весна», «Звуковые пути» и др.) и за рубежом.
Среди исполнителей – оркестр Санкт-Петербургской филармонии, Санкт-Петербургский государственный оркестр, Большой театр России, Урал Опера Балет, камерный ансамбль «Дивертисмент», Санкт-Петербургский камерный хор Lege Artis, eNsemble института Pro Arte, МолОт-ансамбль, дирижеры Юрий Темирканов, Николай Алексеев, Василий Синайский, Павел Клиничев, Александр Титов, Александр Дмитриев, Владислав Чернушенко, Фёдор Леднёв и другие.
Композитор участвовал в Пифийских играх, организованных институтом Pro Arte, в 2002 и 2003 гг. стал победителем в номинациях «Война с поэзией» и Pas de Mythe. В 2020 году номинировался на национальную премию «Золотая маска» за балет «Приказ короля» в постановке екатеринбургского театра Урал Опера Балет.

Окончил Московскую консерваторию по классу композиции в 1970 году у Николая Сидельникова и по фортепиано – в 1971 году у Михаила Межлумова. Собирал и исследовал фольклор, объездил с экспедициями различные районы России, Северный Кавказ, Центральный Памир, горный Таджикистан. С 1973 года работал в Московской экспериментальной студии электронной музыки, где реализовал ряд электронных композиций.
В 1975–1976 гг. участвовал как исполнитель на блокфлейте в концертах ансамбля старинной музыки, исполняющего произведения Италии, Франции, Испании XIII–XIV веков. Играл на клавишных в рок-группе «Форпост», тогда же создал рок-оперу «Серафические видения Франциска Ассизского» (исполнялась в Таллине в 1978 году). Вскоре решил посвятить себя религиозному служению, в 1979–1997 гг. преподавал в духовной академии Троице-Сергиевой Лавры. Занимался расшифровкой и реставрацией памятников древнерусского богослужебного пения, изучением древних певческих рукописей. В 1984 году вернулся к композиции.
Автор ряда книг, среди которых «Автоархеология», «Время Алисы», «Конец времени композиторов», «Пение, игра и молитва в русской богослужебнопевческой системе», «Культура, иконосфера и богослужебное пение Московской Руси», «Пестрые прутья Иакова», «Казус Vita Nova». Поводом для появления последней стала мировая премьера оперы Мартынова Vita Nova, представленной в концертном исполнении под управлением Владимира Юровского (Лондон, Нью-Йорк, 2009).
Среди крупнейших произведений Мартынова – «Илиада», «Страстные песни», «Танцы на берегу», «Войдите», «Плач Иеремии», «Апокалипсис», «Ночь в Галиции», «Магнификат», «Реквием», «Упражнения и танцы Гвидо», «Распорядок дня», «Листок из альбома». Автор музыки к ряду театральных постановок и нескольким десяткам мультипликационных, кино- и телефильмов, среди которых «Михайло Ломоносов», «Холодное лето пятьдесят третьего», «Николай Вавилов», «Кто, если не мы», «Раскол». В 2013 году выступил одним из соавторов новой музыкальной редакции оперы «Князь Игорь» Бородина (постановка Юрия Любимова).
Среди исполнителей музыки Мартынова – Татьяна Гринденко, Леонид Фёдоров, Алексей Любимов, Марк Пекарский, Гидон Кремер, Антон Батагов, Светлана Савенко, Ансамбль Дмитрия Покровского, «Кронос-квартет». С 2002 года в Москве проходит ежегодный фестиваль Владимира Мартынова.
Лауреат Государственной премии Российской Федерации (2002).

Георг Пелецис — один из самых авторитетных композиторов и музыковедов Латвии. В 1970 году окончил Московскую консерваторию имени П. И. Чайковского по классу композиции Арама Хачатуряна. Там же он познакомился и начал близко общаться с Владимиром Мартыновым и проникся идеями «новой простоты», стилизации и репетитивности. Стажировался как музыковед в Оксфорде (1995) и Кембридже (1997). С 1990 года — профессор Латвийской консерватории. Преподает теорию и историю контрапункта и фуги. Георг Пелецис стал первым президентом Рижского центра старинной музыки.
Как музыковед Пелецис является автором двух работ о Йоханнесе Окегеме (нидерландский композитор, XV век) и Палестрине (итальянский композитор, XVI век). Его работа «Исследование стиля Палестрины» отмечена Международным центром Палестрины в Риме (1993). Глубоко изучал и написал множество статей о проблемах формы в музыке эпох Средневековья, Ренессанса, барокко, а также в творчестве множества композиторов стран Балтии.
Как композитор Георг Пелецис регулярно выступает и принимает участие в различных музыкальных фестивалях. Среди сочинений – Concertino bianco для фортепиано и камерного оркестра (1983), струнный квартет Lamento(1986), Marcia funebre для фортепиано (1998), Missa Brevis для женского хора и фортепиано (2003), Латвийский реквием (2006).

В 1963 году окончил Таллинскую консерваторию по классу композиции Хе йно Эллера. В 1957–1967 работал звукорежиссером Эстонского радио. В 1968-м обратился к серийной технике (Perpetuum mobile) и технике коллажа (Симфония № 2, 1966; Pro et contra для виолончели с оркестром, 1966; и др.). С начала 1970-х активно изучал григорианское пение и средневековую полифонию, что определило направленность его творческой эволюции. Третья симфония (1971) ознаменовала сдвиг в сторону диатоники, модальности и благозвучия. В середине 1970-х Пярт пришел к новому стилю, основанному на простейших звуковых элементах — трезвучии и движении по тонам диатонического звукоряда; Пярт назвал его tintinnabuli (лат. «колокольчики») и охарактеризовал как «бегство в добровольную бедность». Первые же произведения, созданные в этом стиле, — Arbos, Fratres, Summа, Tabula rasa, Cantus памяти Бриттена — принесли ему мировую известность и с тех пор широко исполняются, в том числе в позднейших авторских редакциях. В 1980 году Пярт эмигрировал из СССР и обосновался в Вене, где подписал договор с крупным нотным издательством Universal Edition, в 1981-м переехал в Берлин. С 2010 года постоянно живет в Эстонии. В 2018 году в деревне Лауласмаа открылся Центр Арво Пярта.
Стиль tintinnabuli был развит им в сочинениях последующих лет, проникнутых смиренным и возвышенным религиозным духом; среди самых значительных — De profundis для мужского хора и органа (1980), Passio Domini nostri Jesu Christi secundum Joannem («Страсти по Иоанну», 1982), Stabat mater (1985), Те Deum (1985), 7 антифонов к «Магнификату» (на немецкие тексты, 1988), «Магнификат» (1989), «Богородице Дево» для хора a cappella (1990), Берлинская месса (1990–1991), Канон покаянен для хора a cappella (1998).

С 1951 года учился в Московской консерватории (отчислен после второго курса «за модернизм», восстановлен в 1953-м) в классе профессора Юрия Шапорина и профессора Е. Месснер. С 1958 по 1992 год преподавал в Московской консерватории на кафедре композиции (с 1958-го был ассистентом Шапорина и Арама Хачатуряна; с 1961-го вел свой класс композиции). Определял себя как наследника русской линии творчества Стравинского. Сочинения в основном ярко программны, симфоническое мышление тяготеет к театральности. Плодотворно работал в жанре вокальной симфонии.
Автор музыки к нескольким театральным спектаклям, радио- и телепостановкам, более чем к 35 кинокартинам, в их числе «Застава Ильича» Марлена Хуциева (1965), «Три толстяка» Алексея Баталова (1966), «Нос» Ролана Быкова (1977).
В сочинениях композитора преобладает полистилистика, где соединились традиции русской духовной музыки, наследия русской и зарубежной классики, элементы джаза, рока, а также иные стилевые направления, в том числе символизм, импрессионизм, футуризм, сюрреализм и постмодернизм.
Будучи сам талантливым графиком, особый интерес Сидельников проявлял к живописи. Живописные параллели прослеживаются в идеях, названиях и композиционном построении его музыкальных опусов: «Романтическая симфония-дивертисмент в четырех портретах»; соната для скрипки и фортепиано «Славянский триптих», «Лабиринты» — роман-симфония в пяти фресках для фортепиано и др.
Среди сочинений: «Поднявший меч», оратория на тексты русских летописей (1957); «Мятежный мир поэта», симфония для баритона и ансамбля на стихи Лермонтова (1971); «Дуэли» (1974), концертная симфония (1974); «Романсеро о любви и смерти», вокальный цикл лирических поэм на стихи Гарсиа Лорки в 11 частях для хора с эпизодическим участием фортепиано, гитары, бас-гитары и ударных (1977); «Сычуаньские элегии» на стихи Ду Фу для хора и ансамбля (1980); «Чертогон», оперная дилогия по Лескову (1981); «Бег», опера по пьесе Булгакова (1984, поставлена в 2010-м в Камерном музыкальном театре имени Бориса Покровского), Литургия святого Иоанна Златоуста (Литургический концерт) для хора (в двух ораториях, 1988).

Окончил хоровое училище им. М. И. Глинки, затем Ленинградскую консерваторию им. Н. А. Римского-Корсакова по классу хорового дирижирования Авенира Михайлова и по классу оперно-симфонического дирижирования Эдуарда Грикурова.
По окончании аспирантуры при Ленинградской консерватории Дмитрий Смирнов преподавал в родном вузе. Включившись в музыкальную жизнь, он зарекомендовал себя как талантливый исполнитель-импровизатор, дирижируя спектаклями Оперной студии консерватории, Театра музыкальной комедии; много гастролировал с хоровыми и симфоническими коллективами Ульяновска, Челябинска, Свердловска.
Вскоре его дирижерская и педагогическая деятельность дополнилась творческой активностью. Ныне Д. Смирнов — автор опер «Йерма» (по драме Ф. Гарсиа Лорки), «Девочка со спичками» (камерная, по сказке Х. К. Андерсена, написана совместно с Сергеем Баневичем), сонаты для кларнета и фортепиано, органных сочинений, музыки для театра и кино. Однако наиболее значительная часть творчества композитора — это произведения для хора. Здесь и «Музыкальное приношение» памяти Игоря Стравинского для смешанного хора и инструментального ансамбля, и «Избранные молитвословия святого Иоанна Златоуста», кантата «Полночные стихи» на тексты Анны Ахматовой, хоровой цикл на стихи Осипа Мандельштама, «Кипарисовый ларец» на стихи Иннокентия Анненского, хоровой концерт на стихи Марины Цветаевой «Бессонница», «Скорбящие радости Богородицы», концерт «Приявший мир» для чтеца и смешанного хора на тексты Александра Блока и другие сочинения.
При очевидной преемственности по отношению к русской хоровой традиции творчество петербургского композитора не может быть названо традиционалистским: оно и обостренно индивидуально, и обогащено глубоким знанием новой музыки, виртуозным владением средствами, появившимися в XX веке. Показательно, что рекомендации в Союз композиторов некогда вызвались дать ему выдающиеся мастера, представляющие, казалось бы, диаметрально противоположные течения, — Валерий Гаврилин и Александр Кнайфель.

В 1958 году окончил Московскую консерваторию по классу композиции Евгения Голубева. В начале 1960-х обратился к изучению додекафонии, а затем и других новых техник композиции. В 1962–1972 годах преподавал инструментовку в Московской консерватории. Все эти годы активно осваивал новые методы письма и стремился найти собственный стиль. К его первым значительным сочинениям принадлежат Диалог для виолончели и семи инструменталистов и 2-й концерт для скрипки с оркестром. Оба произведения воссоздают конфликт одинокого, тонко чувствующего индивидуума (его персонификациями служат виолончель и скрипка) и чуждой, враждебной, вульгарной среды. По существу, тот же сюжет лежит в основе значительной части позднейших концепций Шнитке.
В одной из аналитических работ 1971 года Шнитке ввел в обиход термин «полистилистика», обозначив им актуальную тенденцию к сочетанию разнородных стилей. Достоинства полистилистики, согласно Шнитке, заключаются в преодолении консервативной и авангардной ортодоксии (и та и другая, по его мнению, мешают развитию музыки), расширении круга выразительных средств. Среди предшественников современной полистилистики — Малер, Айвз и Шостакович, каждый из которых оказал на Шнитке существенное влияние.
Для Шнитке полистилистика стала средством воплощения глубоких философских тем. Особенно показательны в этом отношении его опусы конца 1960-х — первой половины 1980-х годов. В ряде партитур этого периода непосредственно выразилось религиозное мировоззрение Шнитке — католика и экумениста: Реквием, Гимны I–IV, симфонии №№ 2 и 4, Концерт для хора на слова армянского духовного поэта Х века Григора Нарекаци.
В 1970-х — начале 1980-х годов Шнитке был одним из самых востребованных в СССР композиторов, работавших в театре и кино; он сочинил музыку более чем к 60 фильмам и спектаклям, среди которых работы Михаила Швейцера, Александра Митты, Андрея Хржановского, Ларисы Шепитько, Элема Климова и других выдающихся режиссеров.
С 1991 года жил в Гамбурге; до 1994-го продолжал активно сочинять, одно из последних произведений – Симфония № 9 (завершена Александром Раскатовым). В его позднем творчестве заметное место занимают крупные произведения для музыкального театра: балет «Пер Гюнт», оперы «Жизнь с идиотом», «История доктора Иоганна Фауста», «Джезуальдо». Среди сочинений также – четыре скрипичных и два виолончельных концерта, альтовый концерт, шесть concerti grossi, струнные квартеты, фортепианный квинтет, «Гоголь-сюита» для оркестра.